LA MAISON CARTIER MÉCÈNE LE LOUVRE

LA MAISON CARTIER MÉCÈNE LE LOUVRE

05/02/2020

La célèbre Maison Cartier est depuis peu mécène du Louvre. En effet, elle vient de financer la récente rénovation de la célèbre galerie Apollon, dédiée aux joyaux et ornement royaux. Cette galerie fut fermée pendant ces 8 mois de travaux, et vient de ré-ouvrir ce 15 janvier 2020.

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Principalement, ces travaux de restauration ont porté sur :

 

  • Sa décoration : les peintures et statues qui avait été réalisées sur plus de deux siècles, ainsi que l’ensemble des tapisseries des Gobelins.
  • De plus, son éclairage, en particulier celui des dorures qui désormais met magnifiquement en scène les joyaux exposés.

Cartier a voulu montrer l’importance symbolique des joyaux pour l’identité monarchique de l’Ancien Régime et du Second Empire.   La galerie Apollon, d’une longueur de 60 mètres, accueille la première collection de joyaux fondée en 1532 par François 1er, laquelle fut ensuite transmise de rois en rois. Cependant, cette majestueuse collection fut vendue au cours de la Troisième République française en 1887 lors d’une vente aux enchères à Paris.   Cette collection comprend trois incroyables diamants ayant appartenu à la famille royale :

  • Le Régent, d’une taille exceptionnelle de 140 carats ayant appartenu au roi Louis XIV ;
  • Le Sancy, qui a été le plus grand diamant d’Europe au XIX ème siècle ;
  • Hortensia, qui fut offert au roi Louis XV par le célèbre explorateur Tavernier.

Sur un plan historique, les vitrines sont chacune dédiées aux joyaux incarnant les principaux règnes suivants :

  • Ancien Régime
  • Premier Empire
  • Monarchie de juillet
  • Second Empire

Cette galerie expose de même la célèbre collection de vases fondée par Louis XIV, ce dernier était de fait un grand passionné de vases ainsi que de pierres précieuses. Les vases exposés ont le grand intérêt de présenter des formes les plus originales les unes que les autres, telles que : des bateaux, des coquillages…   Cette exceptionnelle exposition permanente revêtant un intérêt tout particulier pour les grands amateurs et experts en joaillerie et gemmologie, ArtLuxury Experience vous invite à une visite VIP du Louvre dédiée, mettant l’accent sur cette Galerie Apollon.

Nos idées originales Saint-Valentin

Nos idées originales Saint-Valentin

03/02/2020

Le 14 février arrive et comme chaque année, nombreux sont les tourtereaux à la recherche d’une idée originale pour un cadeau d’exception. Pour changer de la traditionnelle rose et de la boite de chocolat que vous offrez chaque année, que pensez-vous d’offrir une expérience exclusive et sur-mesure à partager à deux ?

À l’occasion de la Saint-Valentin, ArtLuxury a sélectionné pour vous une série d’expériences exceptionnelles et personnalisées pour un tête-à-tête unique et inoubliable !

Tant de façons de concevoir son couple, ce sont aussi tant de façons de faire plaisir à son conjoint. C’est dans cet esprit qu’ArtLuxury Experience vous a spécialement concocté 5 expériences pour déclarer votre amour selon vos désirs.

 

Mais alors, quel Valentin êtes-vous ?

 

D’humeur mystérieux et imprévisible

L’escapade Honey Moon dinner cruise est faites pour vous.

Faites rêver votre partenaire pendant une soirée inoubliable à bord d’un yacht privé d’exception. Naviguez le long de la Seine et admirez paisiblement les plus beaux monuments de la ville des lumières. Au milieu d’un fabuleux décor de bois style Art Deco, un chef privé vous concocte un somptueux repas pour une dégustation à deux. Ne vous occupez de rien sauf de la vue magnifique et de votre tendre qui sera éblouie par ce rendez-vous romantique qu’elle ne risque pas d’oublier.
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Pour tentez l’expérience exclusive contactez-nous.

 

Gentleman amoureux de l’élégance

Nous avons pensé à une soirée gastronomique exceptionnelle pour vous. Faites la cour à votre moitié en la faisant se sentir comme une reine selon l’art et la manière à la française.

Sur le thème de la « Haute époque » au pied de Notre-Dame, nous avons retenu pour vous le restaurant le Vieux Paris d’Arcole. Il vous accueille dans son cadre unique et luxueux, mettant en scène les arts de la table et l’élégance à la française.

Mais surtout, nous inviterons pour vous notre spécialiste du « chic parisien », elle vous guidera tout au long de ce diner gastronomique pour vivre une expérience mémorable : jouez avec les codes de la bienséance et incarnez des aristocrates le temps d’une soirée !

Un dîner d'exception

Cette expérience vous intéresse, pour en savoir plus cliquez ici.

 

Un tempérament passionné et gourmand

Vibrez ensemble autour du thème du chocolat. Épargnez-lui cette banale boite sucrée comme chaque année, pourquoi ne pas innover avec un délicieux atelier confection et dégustation à deux ? Rentrez dans les coulisses d’une célèbre maison parisienne spécialiste de l’art du chocolat et profitez d’un moment de complicité pour apprendre ensemble des recettes sucrées et délicieuses.

Ce haut-lieux de la pâtisserie et du chocolat mélange tradition, modernité et raffinement pour le plus grand plaisir des papilles.

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Pour partager ce délicieux moment cliquez ici.

 

Envie d’un tête-à-tête exceptionnel à la maison

Surprenez-la et transformez votre intérieur en un restaurant de luxe confidentiel pour partagez un repas gastronomique en toute intimité.

Nous invitons chez vous un chef talentueux formé par les plus grands artistes culinaires. Profitez de ce moment pour susurrer des mots doux à l’oreille de votre amour à la lueur d’une bougie, le chef s’occupe de tout. Des mets délicats et délicieux défilent sous vos yeux et enchantent votre palais.

Nous avons sélectionné grâce à nos partenariats 5 Chefs, avec 5 menus différent :

  • Shakespeare in Love
  • Menu Saint Valentin
  • St Valentin Aphrodisiaque
  • Les amours
  • Menu special Saint Valentin

La fourchette de prix débute à partir de 220€ TTC (pour deux personnes)

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Réservez dès maintenant votre chef en cliquant ici.

 

Envie d’un rendez-vous romantique à l’ancienne

Charmez votre partenaire par la magie d’une balade unique dans les rues de Paris, à bord d’une authentique Rolls Royce, icône des années 70.

Conduis par un célèbre et charismatique historien passionné par l’histoire de Paris, vivez l’expérience d’un voyage à travers les époques.

Que ce soit dans le cadre d’un cours trajet ou d’une longue promenade, découvrez et redécouvrez la ville des lumières sous un angle nouveau et insolite.

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Rolls Royce Silver Wraith limousine 2 1978

Bénéficiez de cette offre en exclusivité, contactez-nous.

 

Aimeriez-vous devenir un Nez ?

Votre chère et tendre a toujours rêvé du parfum unique ? Venez créer votre propre parfum avec l’aide d’un expert pour une expérience romantique et de complicité. De même vous visiterez une célèbre maison de parfumerie et devenez un nez pour un instant.  Cela sera pour vous un moment inoubliable et créatif.

 

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Vous rêvez du parfum unique ? veuillez-nous contactez

 

Êtes-vous un artiste romantique ?

Découvrez un unique lieu de Paris : Montmartre. Ce lieu est connu pour son aspect artistique et folklore. Vous traverserez des frontières invisibles et marcherez hors des sentiers touristiques. Notre guide vous fera découvrir des peinture connus sur le leur lieu de création. De plus vous apprendrez le célèbre cancan et vous découvrirez les secrets non révélés par les guides officiels, les média, et les livres historiques autour du Sacré-Cœur.

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L’aspect artistique et folklore vous ont fait rêvez ? contactez-nous, nous aurons le plaisir de vous proposer un tour sur-mesure. 

 

Nouveau : Êtes-vous fan d’œnologie ?

Une dégustation de vin privé dans les caves du célèbre restaurant la Tour d’Argent peut vous être organisé. Venez vivre un moment mémorable et privilégié dans les caves de cet exceptionnel restaurant parisien, le plus ancien de la Capitale, étoilé au Guide Michelin. Vous découvrirez l’univers enchanteur de sa cave privée et dégusterez les plus grand vins et Grands Crus avec le Chef sommelier de ce haut lieu historique.

Cela sera une expérience unique et magique avec votre bien aimée.

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L’expérience unique vous correspond ? contactez-nous 

 

Nouveau : Avez-vous déjà trouver la « perle rare » ?

Nouveau : Avez-vous déjà trouver la « perle rare » ?

Grace à notre experte en joaillerie et gemmologiste, vous serez guidés et conseillés afin de trouver, ou mieux, vous créer sur-mesure le bijou parfait pour votre chère et tendre. Elle vous accompagnera dans les plus célèbres et luxueuses maisons de joaillerie ainsi que dans les ateliers de créateurs indépendants. Vous vivrez un moment inoubliable et de complicité.

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Vous êtes à la recherche du bijou parfait pour votre bien aimé ? contactez-nous

 

Nous espérons vous avoir fait rêver avec notre bouquet de propositions spécial Saint Valentin. Vous pouvez maintenant vivre une de ces expériences et faire de ce rêve un moment romantique partagé à deux.

Selon l’expérience et la disponibilité de nos offres, les prix varient de 450euros jusqu’à 4000euros (tarifs pour deux).

Si vous êtes intéressés par une de nos expériences exceptionnelles, contactez-nous, nous nous ferons un plaisir de vous organiser sur-mesure une Saint-Valentin inoubliable.

GUIDE MICHELIN 2020 : LA RÉVÉLATION DES ÉTOILES

GUIDE MICHELIN 2020 : LA RÉVÉLATION DES ÉTOILES

28/01/2020

Cette année, le guide Michelin a décidé de révéler ses récompenses au Pavillon Gabriel, le 27 janvier 2020. Bien évidement c’est le jour le plus attendu de l’année par les grand Chefs.

 

Le célèbre guide a décidé cette année de récompenser 628 tables, ce qui est quatre de moins que l’année précédente.

 

Cependant cette année, à part quelques exceptions très médiatisées tel que le restaurant Bocuse, ou bien l’Auberge de Vert Mont qui perd son unique étoile, tous les restaurants trois-étoiles ont conserver leur classement.

versailles alain ducasseHier soir trois restaurants ont été promus à une troisième étoile :

  • Christophe Coutenceau pour son restaurant de la mer à La Rochelle (Charente-Maritime) ;
  • Kei Kobayashi, également pour son restaurant à Paris ;
  • Enfin le restaurant L’Ousteau de Baumanière à Baux-de-Provence.

 

Les 11 nouveaux restaurants deux étoiles :

  • L’Atelier de Joël Robuchon Étoile (Paris)
  • La Scène (Paris)
  • L’Abysse au Pavillon Ledoyen (Paris)
  • Taillevent (Paris)
  • Skiff Club (Arcachon)
  • Sakara (Courchevel)
  • La Table de l’Alpaga (Megève)
  • La Voile (Ramatuelle)
  • La Table de Saint-Crescent (Narbonne)
  • Racine (Reims)
  • Py-r (Toulouse)

 

Les restaurants primo étoilés à Paris :

  • Fleur de Pavé (2e).
  • Marcore (2e).
  • Anne (3e)
  • Le Sergent Recruteur (4e)
  • Solstice (5e)
  • Le Jules Verne: restaurant gastronomique de la Tour Eiffel avec son nouveau Chef Frédéric Anton (7e)
  • PavYllon (8e)
  • Aspic (9e)
  • L’Innocence (9e)
  • Le Rigmarole (11e)
  • L’Oiseau Blanc (16e)
  • Le Faham by Kelly Rangama (17e)
  • Jacques Faussat (17e)

 

Par ailleurs, il est très intéressant de noter que pour cette année le guide a retenu 72 nouveaux « Bib gourmand ».

 

Dans cet univers gastronomique, grâce a ses nombreux partenariats ArtLuxury Experience, peut vous proposer des privatisations dans un grand nombre de restaurants étoilés, comme les restaurants trois-étoiles d’Alain Ducasse, ou bien Le Grand Véfour restaurant deux étoiles avec le Chef Guy Martin…. Nous serons ravies de vous organiser cette expérience gustative.

 

Fashion Week à Paris du : 14/23 janvier 2020

Fashion Week à Paris du : 14/23 janvier 2020

13/01/2020

LA FASHION WEEK DE PARIS, Automne/Hiver, 14-23 janvier 2020

La Fashion week à Paris a lieu tous les 6 mois est un événement a été lancée en 1973. C’est le rendez-vous incontournable pour tous les créateurs et les maisons de haute couture, tel que LVMH. Un événement exceptionnel incarnant le summum du luxe et de la créativité rassemblant les personnalités les plus influentes de la planète : de l’univers du showbiz comme la famille Beckham, Rihanna, Beyonce, jusqu’au plus grandes stars, célébrités, princesses et représentants de la haute société.

La Fashion week cette année met à l’honneur les Hommes et la haute couture. La première semaine, commençant le 14 janvier à 17h30 est dédiée à la collection Automne/Hiver 2020/21pour Homme. La marque japonaise de streetwear de luxe, Sankuarz, ouvre le bal.

L’édition Automne/Hiver réserve de nombreuses surprises avec de nouveaux designer, comme la créatrice israélienne Galia Lahav ou bien la Maison Rabih Kayrouv.

Au-delà de ces nouveaux designers, cette semaine accueillera les défilés successivement des maisons de haute couture : OFF-White, puis Valentino, Givenchy, Louis Vuitton, Dior Homme, Balmain, Loewe, Hermès. La semaine se clôturera par le défilé de 1017 ALYX 9SM à 19 heures, une marque de streetwear de luxe.Fashionweek_2020

La deuxième semaine (20 janvier/23janvier 2020) sera dédiée à la haute couture collection printemps/été, l’événement le plus attendu de la fashion week. Schiaparelli lancera cette semaine et sera suivie par Dior, Azzaro Couture, deux défilés successifs pour Chanel, Giorgio Armani Privé, Givenchy, Valentino, Jean Paul Gautier et de prestigieux créateurs tel que Stéphane Rolland. Enfin, cette semaine se clôturera par le défilé de la créatrice Imane Ayssi.

De plus, cette fashion week offre l’occasion aux jeunes créateurs de réaliser des défilés dans les rues de Paris, afin de mettre en avant leurs créations.

Loewe, une maison de haute couture espagnol du groupe LVMH, spécialisée à l’origine dans la sellerie de luxe comme Hermès, présentera en première semaine ses créations hommes, le samedi 18 janvier à midi.

Dans cet univers de la mode ArtLuxury Experience propose les prestations de sa personnel shopper et coach de mode. Celle-ci pourra non seulement vous accompagner et conseiller dans les plus grandes maisons de hautes coutures avenue Montaigne et Saint Honoré mais pourra aussi vous faire découvrir des dépôts-ventes de marque de luxe, et même rencontrer de jeunes créateurs du Marais.

N’avez-vous jamais rêvé d’une personnel shopper pour faire votre shopping à Paris ? N’attendez plus, contactez-nous pour vous l’organiser.

Léonard De Vinci<br /> l’exposition historique du Louvre !

Léonard De Vinci
l’exposition historique du Louvre !

16/12/2019

 

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ArtLuxury was there before all the world, but it is well on October 24th, 2019 that the general public has the opportunity to discover a large exhibition being held at the Louvre just when these lines are written.

An extraordinary artist, fragile works of inestimable value and ten years of preparation, this is the recipe that creates the event in 500 th  anniversary of the death of Master Da Vinci.

After a very long period of work and many twists and turns in the organization and implementation of this news, the report is clear: De Vinci creates Event of the Year at the Louvre on the occasion of its half-millennium of ‘anniversary.

This unique cultural event attracts the attention of the whole world. ArtLuxury had the immense privilege to attend the opening of the exhibition on October 21, 2019.

During the event the visitor can discover the exceptional exhibition of the artist through several dark rooms to preserve the exhibited works.

It is organized around four themes:

  • Light shadow, relief
  • Freedom
  • Science
  • Life

This gives us the opportunity to closely observe the creative process and the precision of the artist.

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Leonardo DeVinci

Among the works made available to the visitor’s view: sculptures, paintings drawings but also a large number of manuscripts of the Italian artist provoking curiosity and emotion for sure.

The technology of « Infrared Reflexology » can also focus on the artist’s sketching and thus appreciate the precision of the technique of the latter.

A summary is not enough to testify to what the exhibition has to offer: simply, this unique and historic event is not to be missed.

If the comfort of a VIP service, personalized, with an official Guide-Speaker of the Museum seduces you, we propose to organize for you the visit (1h30) of this exhibition Leonardo da Vinci (attention: closing of the exhibition February 24, 2020 ) or at any time visit the permanent works of the Louvre.

So, do not hesitate,  ArtLuxury invites you   to discover Leonardo da Vinci and the Louvre Museum in an exceptional way.

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La Tour d’Argent, une nouvelle expérience pour nos clients

La Tour d’Argent, une nouvelle expérience pour nos clients

13/11/2019

Artluxury Expérience s’associe à la Tour d’Argent, un établissement d’exception pour sa nouvelle offre gastronomique.

La Tour d’Argent est un des plus anciens restaurants de France et d’’Europe, le lieu est réputé pour le soin et l’expertise rendus dans la confection des mets, c’est une étape incontournable lorsque l’on veut découvrir la gastronomie française.

Cette tour iconique se trouve au pied de la superbe « Notre Dame de Paris » sur les bords de Seine au sein du Quartier Latin. La salle de restaurant se trouve au dernier étage et offre une vue à vous en couper le souffle sur la capitale française et son emblématique cathédrale.

Fondée en 1582, riche de plusieurs siècles d’existence, la Tour d’Argent possède une expertise de renommée mondiale dans l’univers de la gastronomie, de plus, elle est encore aujourd’hui propriétaire de l’une des caves les plus fournies du pays                (plus de   320 000 bouteilles ) et s’attache à partager l’excellence du savoir-faire français.

ArtLuxury Experience vous propose de vivre un moment magique en visitant les célèbres caves de cette illustre Maison, en compagnie de son Chef sommelier, qui partagera avec passion toute son expertise: une mémorable dégustation privée et exclusive des plus grands trésors que recense cette cave mythique.

Ce lieu exceptionnel accompagné de son cadre historique et emblématique n’attend plus que vous, afin de marquer vos esprits à jamais!

ArtLuxury Experience vous invite à découvrir ce lieu mythique en vous créant sur mesure des expérience gastronomiques et oenologiques exclusives…

 

 

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En 2021 le Grand palais ferme ses portes au grand public !

En 2021 le Grand palais ferme ses portes au grand public !

28/10/2019

Mais cela n’est pas définitif ! Cet emblématique monument se prépare en effet pour accueillir les jeux olympiques de 2024. Dans l’enceinte du Grand palais se dérouleront les épreuves d’escrimes des JO 2024.

 

C’est l’occasion pour le monument de faire peau neuve. Le budget de 466 millions d’euros permettra au bâtiment, plus que centenaire, construit à l’occasion de l’exposition universelle de 1900, d’accueillir de nouveaux publics au sein du musée.

 

L’enjeu est donc double, d’une part ce lieu historique vit une mue sans précédent pour laisser place à une expérience nouvelle. Le bâtiment en lui-même sera en accès libre et les touristes pourront s’ils le souhaitent visiter le palais.

 

D’autre part, à loccasion des JO 2024, un mélange etonnant s’operera, permettant de faire se rencontrer l’art et le sport sur une scène culturelle française mythique. Aucune autre ville au monde ne peut offrir ce contexte unique et propre à l’histoire de France.

 

Mais l’information principale est la suivante : pendant toute la durée des travaux de 2021 à 2024,l’activité du grand palais sera maintenue.

En effet, un grand palais éphémère va être bâti sur le champ de mars, à l’opposé de la Tour Eiffel,  par nul autre que l’architecte Jean-Michel Wilmotte, imaginé avec le souci de la sobriété et du respect d’insertion dans le site.

 

Si l’idée de découvrir les expositions du Grand palais vous séduit, que ce soit avant ce chantier, comme par exemple la désormais célèbre exposition sur Le Gréco, ou plus tard au Grand palais éphémère n’hésitez plus, ArtLuxury vous y mène.

 

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MAISON LVMH Art – Talent – Patrimoine

MAISON LVMH Art – Talent – Patrimoine

01/07/2019

MAISON LVMH

Art – Talent – Patrimoine

Maison LVMH

At the heart of the Bois-de-Boulogne, the Maison LVMH will open in 2020, with the aim of becoming a new multi-disciplinary cultural Institution for Paris. This place will be dedicated to artists and live performances, as well as applied arts and artisanal craftsmanship.

Famous French luxury leader, Bernard Arnault is the instigator of this ambitious project. His objective is to emphasize the architecture and the cultural vocation of this innovative building. Indeed, the concept behind is to highlight this cutting-edge environment as a space for exalting the vitality of crafts, arts and entertainment.

World-renown architects namely Frank Gehry, author of the famed Louis Vuitton Foundation, as well as Thomas Dubuisson will revisit the former museum into THE unmissable place such as the Louis Vuitton Foundation located nearby.

Basically, it will showcase two separate rooms, a first one holding concert or event up to 4000 persons and another one dedicated to exhibitions.

Before coming to this place after its opening why not planning in the meantime the visit of major Paris museum and exhibition

Just contact us

MAISON LVMH Art – Talent – Patrimoine

MAISON LVMH Art – Talent – Patrimoine

01/07/2019

MAISON LVMH

Art – Talent – Patrimoine

Maison LVMH

Au cœur du Bois-de-Boulogne, l’ouverture de la maison LVMH est prévue pour 2020, ayant pour objectif de devenir une nouvelle institution culturelle multidisciplinaire à Paris. Ce lieu sera dédié aux artistes, aux spectacles vivants, aux arts appliqués et à l’artisanat.

Le célèbre patron du luxe français, Bernard Arnault, est l’investigateur de ce projet ambitieux. Son objectif est de mettre en avant l’architecture et la vocation culturelle de cette maison. En effet, le concept sous-jacent de ce projet est de mettre en lumière un environnement totalement innovant exaltant la vitalité de l’artisanat, des arts et du divertissement.

Pour sa réalisation, les architectes de renommée mondiale, Frank Gehry, déjà auteur de la célèbre Fondation Louis Vuitton, ainsi que Thomas Dubuisson, revisiteront l’ancien musée pour qu’il devienne LE lieu incontournable de Paris tout comme l’est déjà la Fondation, située à proximité.

Fondamentalement, cette Maison LVMH s’organisera autour de deux salles, une première pouvant recevoir des concerts ou événements jusqu’à 4000 personnes et une autre dédiée aux expositions.

Avant son ouverture, pourquoi ne pas venir visiter nos magnifiques musées et futures expositions parisiennes.

Contactez-nous !!!

Le modèle noir, de Géricault à Matisse

Le modèle noir, de Géricault à Matisse

30/04/2019

The black model, from Géricault to Matisse                                  

In 1791, shortly after the French Revolution, was proclaimed a first decree of abolition of slavery, a point of historical rupture that marks the emergence of the « black model » in Western art, among which portraits of individuals emancipated blacks like Thomas Alexandre Dumas painted by Louis Gauffier or Madeleineby Marie-Guillemine Benoist. If these works gradually occupy an important place in the artistic space created by the political and social revolution of the time, they also bear witness to ambiguities peculiar to their time. Worn by three highlights – the time of the abolition of slavery (1794-1848), the time of the New Painting (Manet, Bazille, Degas, Cézanne) and the time of the first avant-gardes of the twentieth century – this exhibition offers a new look at a subject that has been neglected for too long: the important contribution of black people and personalities to the history of the arts. The goal is to give back to all these « black models », forgotten in the story of modernity; a name, a story, a visibility.

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One of the first artists to express his involvement in this fraternal struggle is Géricault, with his famous painting, The Raft of the Medusa , which recounts the dismal colonial expedition of the frigate La Médusein the summer of 1816, off the coast of Mauritania. Indeed, if the first sketch of the painting strikes by the absence of any Black, the final composition has three: by multiplying the black figures in his table, Géricault summarizes his fight for abolitionism. We know that he used his paintings, the famous model Joseph, originally from Haiti, also represented by Theodore Chasseriau. Known by his first name, Joseph was one of the most famous artist models of the nineteenth century, spotted by Chasseriau in a troupe of acrobats and became official model of the School of Fine Arts.

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In the fight against slavery, art also becomes a means of denouncing what the victims of an inhuman system endure. Marcel Verdier, student of Ingres, to be refused his Punishment of the four stakesat the Salon of 1843. The painting lifts the veil on the colonial reality, breaking taboos; a visual shock that raises public awareness and makes them feel guilty by confronting them with their own indifference or passivity. Thus, the spectacle of a humanity under the irons, martyred and suffering a terrible spell, was widely exploited in the 1840s. It was not until the abolition of slavery in the colonies in 1848 to finally celebrate this symbolic measure by black and white paintings are gathered, where the jubilant freedmen, broken chains and fraternal unity can finally express themselves, like the painting of Nicolas Gosse, the freed slave .

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Later, in the nineteenth century, artists want to detach themselves from stereotypes associated with black characters and represent them in the manner of intimate portraits and individualized: this is how Baudelaire chose to represent Jeanne Duval, Haitian origins and who will share his life from 1842, marking his haunting presence The Flowers of Eviland the poet’s designs. Several works by Baudelaire evoke and represent it; the one he calls « the feline », a beauty sometimes kind, sometimes disturbing … But painting and literature are not the only arts in which we find more and more black personalities: the scene of the show has many original artists from the United States or the Caribbean. Among them we can mention the Havana musician Maria Martinez, the Shakespearian actor Ira Aldridge, the virtuoso pianist Blind Tom, the aerial acrobat Miss La La, represented by Degas, as well as the clown Rafael known as Chocolat, star of the Moulin Red with his white friend Foottit.

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After the 1960s, it was the advent of jazz and musical and artistic culture born in the Harlem district of the United States. Many intellectuals like Du Bois, Alain Locke, musicians like Louis Armstrong or Billie Holliday … defend a modern and urban black culture that fascinates French artists as Matisse himself will be fascinated by New York, its skyscrapers, its light and his « musicals ». The Harlem Renaissance and pop and today destroy taboos and stereotypes like the reinterpretation of the famous Olympia Manet, where it is no longer a white woman and a black servant but a black woman and a white servant who compose the work, all the referents being then reversed.

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If you want us to organize for you a personalized visit of the Musée d’Orsay with a passionate and qualified guide, do not hesitate any more and contact us  !

Notre-Dame de Paris : une Histoire gravée dans la pierre

Notre-Dame de Paris : une Histoire gravée dans la pierre

24/04/2019

Notre-Dame de Paris : une Histoire gravée dans la pierre

 

La cathédrale Notre-Dame surplombe la ville de Paris depuis plus de 850 ans. Elle se dresse majestueusement au cœur de l’Ile de la Cité, centre historique de la ville de Paris. Pilier des arts et foyer de la chrétienté, Notre-Dame est un monument cher à tous. Notre cathédrale, fleuron du patrimoine français, se dresse comme un symbole gravé dans la pierre, de notre histoire et de notre culture. Véritable joyau de l’architecture gothique, elle a été consacrée en 1163 et avait résisté jusqu’ici à de nombreuses menaces de destruction au cours des guerres qui ont dévasté la France. Malheureusement, et de la façon la plus triste et bouleversante, elle n’a pu résister au violent incendie qui s’est déclaré dans la nuit du 15 au 16 avril. Si les dégâts ont été considérables, la structure de la cathédrale a pu être sauvée et préservée dans sa globalité. Épisode traumatisant de ces derniers jours, nous retiendrons surtout le formidable élan de solidarité et d’émotion qui a rassemblé chrétiens, parisiens, français et étrangers autour de l’Ile de la Cité, pour se recueillir, prier, témoigner à travers les nombreuses photos qui ont pu circuler, ou tout simplement être présent dans un moment, qui, nous l’avons ressenti, restera un moment marquant de l’Histoire.

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Avec bonheur, nous pouvons toujours admirer la façade occidentale de Notre-Dame, avec ses trois portes riches en décorations symboliques et éléments bibliques, qui ornent celle qui reste l’une des plus belles églises gothiques du monde. La porte centrale est connue comme le portail du Jugement dernier, la porte sud comme le portail de Sainte Anne et enfin, le portail de la Vierge au nord. Sous la balustrade, la spectaculaire galerie des rois, avec ses 28 statues représentant les rois de Juda, s’étend le long d’une large frise horizontale. Malgré la destruction de la flèche à cause de l’incendie, les deux impressionnants clochers du XIIIe siècle s’élèvent encore dans le ciel de Paris. De même, la sublime rosace de la façade sud, a miraculeusement survécu au désastre : ses 13 mètres de verre étincelant et coloré continuent de resplendir à la lumière du jour, révélant et éclairant d’une manière unique la majesté de l’architecture médiévale de l’édifice. La voûte qui la surplombe de ses 33 mètres de haut, malgré les piliers impressionnants qui la soutiennent, semble défier la gravité elle-même.

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L’incendie aurait pu détruire les reliques précieuses conservées dans la cathédrale, mais celles-ci ont pu être sauvées de justesse ! Le Trésor de Notre Dame de Paris se trouvait dans la sacristie au sud du chœur, il a pu être transféré le soir de l’accident à la Mairie de Paris puis sera mis en sécurité au Louvre. La plus précieuse des reliques, la Sainte Couronne d’épines, posée selon la croyance des catholiques, sur la tête de Jésus peu avant sa crucifixion, a pu être sauvée des flammes. Deux autres reliques, un morceau de la Croix et un clou de la Passion, ont été sauvés ainsi que la tunique de Saint Louis. Le grand orgue du XVe siècle est lui aussi sauvé, même si sa structure a souffert, recouverte par des gravats, de la poussière et de l’eau. Quelque 13 millions de visiteurs affluaient chaque année pour voir ces objets, les plus précieux et les plus vénérés de la cathédrale… Aujourd’hui il n’est plus possible de visiter Notre Dame, qui restera en travaux pendant quelques années. Cependant, ne vous privez pas pour autant de la visite de l’île de la Cité et de l’île Saint Louis, qui représentent le cœur de la capitale, son centre historique cerclé d’eau. Les deux îles parisiennes, portent les marques visibles et encore flamboyantes d’un temps où Paris se nommait encore Lutèce, et révèlent à l’air libre leur beauté insubmersible.

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Si vous souhaitez vous promener au cœur de ses îles et admirer le temps d’une balade, les monument historiques et majestueux, les jolies petites rues authentiques et les délicieux restaurants qu’elles recèlent, accompagnés d’un guide passionné et passionnant, n’hésitez pas à nous contacter et à regarder notre proposition de visite !

La Tour Eiffel: 130 ans de splendeur

03/04/2019

La Tour Eiffel : 130 ans de splendeur

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Nous sommes dans le Paris de la Belle Époque, à l’occasion de l’Exposition universelle de 1889.  Le Ministère de      l’Industrie et du Commerce français organise un concours pour célébrer le centenaire de la Révolution Française et Gustave   Eiffel, ingénieur et industriel, souhaite relever le défi, ayant l’ambition de réaliser une « tour haute de plus de mille pieds », soit un projet audacieux, qui hante tous les architectes de l’époque. En effet, aucune construction n’a jamais atteint une telle hauteur, et Gustave Eiffel doit se battre pour défendre le projet qu’il porte avec ses collaborateurs, Émile Nouguier et Maurice Kœchlin.

    

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Cependant, son projet fait l’unanimité, il l’emporte sur les autres candidats et obtient une convention avec le gouvernement dès 1887, qui lui accorde un emplacement de choix, au bord de la Seine et au centre même de la ville de Paris. Les travaux nécessaires au préalable pour permettre la construction de la tour sont titanesques et effraient les parisiens, qui s’interrogent sur l’impossible réalisation d’une ampleur encore jamais vue…Mais ceux-ci sont rapidement émerveillés par les avancées rapides du chantier et l’apparition d’un étage, puis d’un autre, semblant défier les lois de la gravité. Les spectateurs assistent, hébétés, à l’élévation de cette édifice grandiose, au rythme impressionnant de douze mètres par mois.  Bernard Marray, grand admirateur de Gustave Eiffel, évoque dans l’une de ces œuvres cette « stupéfiante prouesse technique » et sa « remarquable rapidité d’exécution ». En effet ce n’est qu’au terme deux ans, deux mois et cinq jours, que la tour, « la plus haute du monde » est enfin inaugurée.

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En ce 31 mars 1889, Gustave Eiffel relève le défi et signe un chef d’œuvre d’architecture, qui devient bientôt le symbole de la ville de Paris. Il hisse lui-même un drapeau tricolore au sommet de la Tour en présence du directeur de l’Exposition universelle, de certains de ses collaborateurs et des grandes personnalités du Gouvernement et de la Ville de Paris. Tous sont éblouis par cet édifice prodige. La célébration se prolonge ensuite aux pieds de la Tour où Gustave Eiffel rend hommage à ses équipes et notamment aux 300 ouvriers qui ont construit, celle qu’on appellera plus tard, la Dame de fer. Notons qu’à sa naissance, la Tour était de couleur rouge !

« Je viens d’éprouver une grande satisfaction, celle d’avoir fait flotter notre drapeau national sur le plus haut édifice que l’homme ait jamais construit » Gustave Eiffel

 

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La Tour Eiffel connaît dès lors un succès massif et constitue l’attraction principale de l’Exposition de 1889. La première semaine après son achèvement, près de 30 000 visiteurs gravissent les 1710 marches pour atteindre le sommet qui offre une vue extraordinaire de la ville. Les ascenseurs n’entrent en service que plus tard mais représentent eux-aussi de véritables prouesses techniques. La hauteur de la Tour Eiffel lui permet d’obtenir le titre de « plus haute structure du monde » jusqu’en 1930, et alors qu’elle devait être déconstruite à la fin de l’Exposition universelle, et que l’on croyait à un chef d’œuvre éphémère… La Dame de Fer se dresse encore sous nos yeux éblouis, et fête aujourd’hui ses 130 ans.

Nous serions plus qu’heureux de vous faire découvrir notre belle Tour Eiffel à l’occasion d’une visite VIP: si cela vous intéresse, n’hésitez pas à nous contacter ici.

 

La Pyramide du Louvre fête ses 30 ans

29/03/2019

La Pyramide du Louvre fête ses 30 ans

 

Monument iconique parisien, le Louvre trône au centre de Paris depuis déjà plus de 200 ans, et est aujourd’hui le plus grand musée d’art et d’antiquités au monde. Il possède une longue histoire autour de la conservation artistique et historique, depuis l’Ancien Régime jusqu’à nos jours. Mais qu’en est-il de cette étonnante Pyramide de verre, qui se dresse devant le musée ?


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Pensé par l’architecte sino-américain de renom, Ieoh Ming Pei, auteur d’une des ailes de la National Gallery of Art de Washington, le projet était d’aménager une nouvelle grande entrée au Louvre, afin de recevoir les visiteurs de plus en plus nombreux et de réagencer par la même occasion l’intérieur du musée. Annoncé en septembre 1981 par le Président de la République, François Mitterrand, ce projet, qui prend le nom de « Grand Louvre », a pour ambition de restituer au musée la totalité du Palais du Louvre, puisque l’aile Richelieu était autrefois occupée par les bureaux du ministère des Finances. En 1983, Ieoh Ming Pei est désigné par le Président pour élaborer ce grand projet, qui bouleversera l’image du musée du Louvre en lui donnant une toute nouvelle ampleur, tant nationale qu’internationale.

Plus qu’un projet d’architecture, la Pyramide s’est révélée être un véritable défi. Sa réalisation en verre représente un prodige technologique ; un pari fou pour son auteur… Celle-ci reprend les proportions exactes de la célèbre Pyramide de Khéops, choix de figure qui n’est pas sans rappeler l’Obélisque déjà présente non loin du musée, place de la Concorde, mais aussi la fabuleuse collection d’antiquités égyptienne qui fait la richesse du Louvre. Cependant, l’architecte est exigeant et ambitieux, il souhaite que sa Pyramide soit tellement transparente, qu’elle permette de voir la pierre du Louvre comme si rien n’était devant lui. Or, rechercher la transparence parfaite s’est avéré être un défi difficile pour les ingénieurs, qui ont finalement donné naissance à une gamme de verre spéciale pour la construction, qui sera appelé la gamme « Diamant ». De fait avec ses 673 plaques de verre, la Pyramide du Louvre brille tel un gigantesque diamant, qui apporte une lumière grandiose au site et permet au musée de jouir d’une lumière exceptionnelle. Pour ses 35,42 mètres de largeur et ses 21,34 mètres de hauteur, la Pyramide est constituée de 95 tonnes d’acier et 105 tonnes d’aluminium qui soutiennent tous les carreaux de verre.

Très redoutée par les parisiens à l’époque, la Pyramide du Louvre s’est parfaitement intégrée au Palais et est aujourd’hui devenue le symbole du musée et un incontournable du patrimoine parisien. Elle est récemment devenue le terrain de jeu du célèbre street-artist JR, qui par un collage gigantesque avait réussi en 2016 un coup de maître, en faisant disparaître totalement la Pyramide aux yeux des visiteurs. Cette année, à l’occasion des 30 ans de la Pyramide, il revient avec un projet d’une même ampleur, puisque cette fois l’objectif est de créer une illusion d’optique autour de la Pyramide pour la faire « sortir de terre » et « révéler le secret de sa fondation » par un immense collage au sol. En plus de cette création artistique extraordinaire, le Louvre prévoit une trentaine d’évènements jusqu’en février 2010 pour célébrer le monument de verre.

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Il ne vous reste plus qu’à venir admirer cette Pyramide iconique et d’en profiter pour visiter le célèbre musée du Louvre accompagnés d’un passionné d’histoire de l’art… N’hésitez plus et rendez-vous sur la page de l’offre, ou bien contactez-nous pour vivre une expérience unique au cœur de la culture parisienne.

L’Orient des peintres : du rêve à la lumière

19/03/2019

L’Orient des peintres : du rêve à la lumière

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A Paris, le musée Marmottan-Monet présente, depuis le 7 mars et jusqu’au 21 juillet 2019, l’exposition « L’Orient des peintres, du rêve à la lumière ». Riche d’une soixantaine de chefs-d’œuvre provenant des plus importantes collections publiques et privées d’Europe et des États-Unis (musée du Louvre, musée d’Orsay, musée des Augustins de Toulouse, la Städtische Galerie im Lenbachhaus de Munich, la collection Thyssen-Bornemisza de Madrid, le Rijksmuseum d’Amsterdam, le Sterling and Francine Clark Art Institute de Williamstown), l’exposition entend révéler à travers ce voyage en Orient le regard des peintres sur ce monde fantasmé. En effet, portés par le souffle impétueux des conquêtes napoléoniennes, les peintres européens ont fantasmé l’Orient, parfois avant même que leurs rêves ne soient mis à l’épreuve du voyage.

 

Ce que nous remarquons en parcourant l’exposition, c’est que voyage en Orient est indissociablement lié à la sensualité de la figure féminine, représenté par Ingres et Delacroix aux premières heures de l’art moderne, mais aussi à l’expérience d’un paysage unique et d’une lumière qui bouleverse les regards et nous emmène dans un autre monde, loin de Paris. L’exposition présentée au Musée Marmottan-Monet donne à voir à ses visiteurs deux thèmes que sont les figures et les paysages. L’exposition nous fait voyager à travers l’Orient méditerranéen, nous permettant d’admirer les représentations d’une beauté féminine orientale dans toute sa sensualité, mais aussi en nous immergeant totalement dans une ambiance intime rappelant celle des cours orientales, grâce à des jeux de lumière et de couleurs.

 

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Les tableaux se révèlent à nous comme des fenêtres ouvertes sur un désert aride, sur une jungle luxuriante ou bien une fontaine d’eau fraîche dans un décor ottoman de mosaïques bleues. Certains tableaux comme La Petite Baigneuse ou La Grande Odalisque de Ingres témoignent de l’envoutement du peintre par la beauté classique orientaliste et incarnent un rêve de beauté féminine idéale fantasmé pour sa sensualité et l’érotisme d’un corps imprégné de fantasmes. De même, les lieux apparaissent nimbés d’une aura de rêve et de désir notamment la représentation de la scène du Bain Maure de Jules Migonnay ou encore le Massage, scène de hammam de Édouard Debat-Ponsan dont le contraste des corps noir et blanc lui a valu sa célébrité scandaleuse lors de son exposition en 1865.

 

 

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Or, d’autres peintres tendent à s’éloigner de la représentation d’un Orient idéalisé et cherche à nous donner à voir une réalité, moins rêvée, moins fantasmées mais bien réelle : celle du désert, de l’aridité, de la chaleur étouffante, de la soif et parfois même, de la mort. Eugène Fromentin dans son tableau de La Rue Bab-el-Gharbi à Laghouat présente une peinture scindée en deux, l’ombre et la lumière, la mort et la vie. Il met en scène dans la partie sombre, des corps étendus à même le sol, cherchant sans doute un refuge dans la fraîcheur limitée de l’ombre de la rue.

 

 

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Plus loin dans l’exposition, nous sommes projetés dans des décors luxuriants : le Champ de Bananiers de Renoir et d’autres tableaux où la jungle domine à perte de vue, étrange sentiment de petitesse face à une nature aussi envoutante qu’hostile. En tournant la tête on peut aussi admirer la vue d’une Mer calme, d’Albert Marquet, ce qui finalement nous fait réaliser l’ambiance paradoxale de l’Orient telle qu’elle est imaginée et vécue par les peintres européens : un Orient sensuel, lascif et royaume de vie, qui peut aussi se transformer en terre aride et inhospitalière, dans laquelle l’homme navigue rêve et cauchemar…

Si vous souhaitez que nous vous organisions une visite privée d’exposition ou de musées à Paris… contactez-nous ici.

Make fashion yours

27/07/2018

Cette semaine, sous le soleil brulant de Paris, nous avons rencontré notre partenaire styliste: Aloïs Guinut. Nous avons flâné dans les rues du Marais, nous sommes rentrés dans quelques boutiques sélectionnées par Aloïs puis nous nous sommes arrêtés dans le beau parc de l’Hotel de Soubise.

Découvrez au travers de cette vidéo, la mode parisienne comme vous ne l’avez jamais vue. Guidé par une personal shopper le chic parisien n’aura plus de secret pour vous!

Pour organiser un tour, cliquez ici.

 

Sophie de la Bigne: tout un art de vivre

27/07/2018

Une interview exclusive sur une coach en savoir-vivre à la française. Une leçon d’excellence.

ArtLuxury a eu le plaisir d’interviewer Sophie de la Bigne, notre partenaire si élégante et distinguée. Dans cette vidéo, elle nous montre comment dresser un couvert à la française, dans les règles de l’art.

Participez-vous aussi à un dîner d’exception dans un cadre exclusif guidé tout au long par une spécialiste du « chic parisien » célébré dans le monde entier. Expert dans l’art de recevoir, ce qui guide vous rappellera les codes incontournables d’une invitation à dîner.

Pour plus d’information cliquez ici.

Dansez avec Picasso et Rodin

Dansez avec Picasso et Rodin

27/07/2018

Cet été, de grands musées parisiens se sont donnés le mot : Rodin et Picasso ont été mis à l’honneur au musée Rodin ainsi qu’à l’Opéra Garnier. En effet, ont été exposées plusieurs œuvres des deux artistes ayant pour thème la danse. ArtLuxury est allé admirer ces chefs d’œuvres et vous emmène à la rencontre de ces peintres qui ont réussi à rendre vivant des statues et des toiles qui étaient jusqu’à présent complètement sans vie.

Bien que ces expositions aient des noms similaires : « Rodin et la danse » et « Picasso et la danse », elles sont loin de se ressembler. Les artistes appréhendent le thème de la danse de manières complètement différentes. L’un cherche à capturer le mouvement sur un support immobile alors que l’autre participe à la création des décors et des costumes de ballets. Laissez-vous guider dans cette atmosphère d’euphorie et d’entrain, à la découverte de ces artistes emblématiques de la culture française !

Commençons par le musée Rodin, c’est au cœur du septième arrondissement que nous pouvons admirer le célèbre Penseur du sculpteur à la barbe fournie. Le talent de l’artiste ne s’arrête pas à ce chef-d’œuvre puisque Rodin est l’auteur de nombreuses sculptures représentant des « mouvements de danse ».

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À partir des années 1890, des expériences nouvelles transforment l’art de la danse, loin du divertissement codifié qu’elle pouvait être avant cela. Sensible aux innovations menées, Rodin s’intéresse à des personnalités exceptionnelles, parmi lesquelles Loïe Fuller et Hanako. L’un des points d’orgue de ces rencontres s’établit avec les danseuses cambodgiennes en représentation à Paris pour l’Exposition universelle. À leur départ, Rodin dira qu’ « elles emportèrent la beauté du monde avec elles ». La complicité partagée avec ces personnes amène Rodin à unir danse et sculpture. Rodin s’intéresse à la danse sous toutes ses formes, qu’il s’agisse des danses folkloriques régionales ou orientales, de danseuses de cabaret, des principales personnalités de la danse contemporaine.

Ce qui est fascinant chez Rodin, c’est sa facilité à représenter le mouvement. Le geste n’est ni lissé, ni schématisé, mais fondu, recomposé, chaque décomposition du corps y est captée, griffonné, modelé en soi avant de donner naissance aux mouvements. Rodin saisissait la danse sur le vif, comme elle se présentait à lui au cours d’un spectacle, plus au calme, dans son atelier, le modèle prenant la pose.

L’exposition met donc en avant différents Mouvements de danse, elle retrace l’ensemble des recherches et expérimentations réalisées par Rodin. Exprimer la vie des corps, traduire leur énergie et l’effort humain qu’il exige voilà ce que recherche l’artiste.

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La danse permet à l’artiste d’habiter l’espace, et d’explorer la relation entre celui-ci et l’apesanteur. Rodin joue avec les assemblages pour exprimer la tension des corps autant lors de portés que lors de figures acrobatiques. Tout est question d’équilibre.

Tandis que Rodin étudie les mouvements et le corps comme s’il s’agissait d’une structure presque mathématique, Picasso lui a une approche complètement différente, il a contribué à des ballets.

Nous savions que Picasso avait rencontré sa première femme, Olga, dans la troupe des ballets russes. Mais ce que nous ignorions, c’est qu’il avait créé ses premiers décors et costumes de scène pour ces mêmes ballets russes justement, dans les années 1915, à la demande de Jean Cocteau. Dans l’exposition, nous pouvons retrouver les costumes originaux et nous pouvons entendre aussi la musique du premier ballet pour lequel il a travaillé, Parade.

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Grâce à cette exposition, nous avons découvert toutes les créations de Picasso autour de l’univers du ballet mais aussi comment celui-ci a influencé l’artiste dans ses œuvres. Par exemple, on fait appel à lui pour un ballet espagnol nommé Le Tricorne, sur la musique de Manuel de Falla. Pablo Picasso va créer des costumes espagnols, de Sévillanes avec des mantilles et surtout il va introduire la corrida dans le ballet. Plus loin dans sa vie, nous pouvons voir de quelle manière il va s’inspirer de la danse quand il peint des scènes de corrida.

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Des danseuses de cirque aux danseuses érotiques en passant par les scènes de bacchanales, tout semble prétexte à représenter des corps en mouvement. Le mouvement dansé a traversé toute l’œuvre de l’artiste, allant parfois jusqu’à entretenir son geste artistique.

Ces deux expositions bien différentes nous montrent comment la danse a inspiré ces artistes, hautes en couleurs et en découvertes elles ont su faire danser Paris durant tout l’été !

Pour connaître les mystères de l’Opéra, laissez-vous guider par un historien de renom qui vous racontera tous les secrets de ce lieux fantastique, pour plus d’informations cliquez ici.

Laurence de Marliave: artiste incarnant tradition et modernité

Laurence de Marliave: artiste incarnant tradition et modernité

04/07/2018

Voilà la deuxième édition de The Exceptionnel Rendez-Vous, nous avons rencontré notre partenaire pétillante et créative : Laurence de Marliave. Peintre brillante et professeur de talent, elle a d’abord étudié à l’école Penninghen d’art graphique pour ensuite entrer aux Beaux-Arts de Paris.

Nous avons eu la chance de pouvoir rencontrer Laurence lors d’un entretien exclusif.

 

 

Quel est votre processus de création ?

Je dessine et je peins tous les jours, comme un pianiste travaille son doigté et son oreille. Quand je marche dans la rue ou bien quand je prends le métro, j’essaie d’imaginer comment je pourrai dessiner les personnes et les choses qui m’entourent.

Je donne une grande importance au travail en direct, sans le prisme de la photo. L’artiste doit pouvoir dessiner sans un support photographique. Tout le monde fait cela, mais je crois pertinemment que cette façon de travailler fige les choses. Il nous faut retrouver le contact direct avec le sujet et l’objet pour restituer des émotions et des sensations authentiques. Ce n’est pas un retour en arrière, je pense qu’il est plus intéressant d’emmagasiner les sensations dans sa mémoire que de s’aider d’une photo.

Dans la majorité de mon travail pictural, quelques caractéristiques se dégagent. Tout d’abord, je donne une grande importance à la structure. Devant une toile blanche, j’adore organiser l’espace. Je suis passionnée d’architecture. Je me pose souvent cette question : comment puis-je représenter une structure en trois dimensions sur une surface plane ? C’est plutôt un défi.

J’apprécie beaucoup le jeu des couleurs, le clair-obscur est souvent présent dans mes œuvres. Je donne aussi de plus en plus d’intérêt aux couleurs, car finalement ce sont les couleurs qui créer cette lumière et qui permettent de rendre l’œuvre vivante.

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Avez-vous été influencée par un artistes phare de l’histoire de l’art?

Oui, j’ai en effet été influencée par de grands maîtres de l’histoire de l’art et plus spécialement par les hollandais du XVIIe siècle. J’apprécie particulièrement les intérieurs calmes et la présence des fenêtres qui donnent un aspect lumineux aux œuvres de Vermeer. Mon œuvre préférée est le Géographe, ce personnage qui est en train de regarder une mappemonde. Il est debout à l’intérieur d’une pièce, probablement en Hollande, et rêve surement au voyage.

 

Pourquoi le voyagez-vous autant ?

Cette fois ci, j’ai été influencée par Delacroix et ses carnets de croquis. J’ai eu l’opportunité de voyager un peu partout dans le monde. Cette année, j’ai pu aller en Chine, en Italie, en Grèce, en Russie et en Iran.

Le travail du carnet de voyage consiste à saisir les impressions du moment. C’est aussi une occasion de rencontrer l’autre puisque l’art est un langage universel.

A partir du moment où vous faites un carnet de croquis, vous êtes sur un place au fin fond de l’Inde en train de dessiner, les enfants s’approchent, puis les mères de famille qui cherchent leurs enfants, puis tout le village vient autour de vous. Finalement, même si l’on ne partage pas la langue, l’art est un remarquable moyen de communiquer.

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Vous semblez passer votre temps à dessiner et à voyager, votre vie doit être palpitante ?

On a souvent cette image d’Epinal de l’artiste seul dans son atelier, en train de chercher l’inspiration. Je pense que l’art est d’abord un moyen d’expression et de communication. C’est pour cela que j’enseigne l’art depuis maintenant plus de trente ans. J’essaie de transmettre à mes élèves ma passion. A l’atelier de l’Étoile, il y a entre soixante-dix et quatre-vingt-dix apprentis artistes qui viennent chaque année. Pour eux, l’art est un moyen de s’évader du quotidien. Quand on peint on est comme dans une bulle, on oublie nos soucis et on se concentre sur notre toile. Ils prennent alors le temps de respirer et d’être créatifs.

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Comment décrieriez-vous votre travail ?

Mon travail ? Je ne dirai pas que c’est un travail, je dirai que c’est un labeur. C’est dur, je dois sans cesse trouver l’inspiration. C’est un long travail de persévérance. Cela demande autant d’effort intellectuels que d’effort physique. C’est aussi un travail en dehors du temps, on ne voit pas le temps passer quand on peint. Cela demande un vrai engagement, je crois vraiment que c’est une vocation.

J’ai l’impression qu’en France, les gens sont obsédés par l’art conceptuel. Je pense que c’est dommage que ce soit autant exploité alors qu’il y a tant d’autres domaines qui attendent d’être explorés. Pour se rendre compte de cela, je pense qu’on a besoin de voyager, de voir ce qui se fait à l’étranger : s’ouvrir l’esprit devient vital.

Je pense que je m’inscris à la fois dans la tradition de l’histoire de l’art mais aussi dans la modernité. Mon but n’est pas de choquer, il est de transmettre la beauté et l’émotion.

Artluxury, dans des prestations exclusives, vous donne la chance de rencontrer un authentique artiste français. Vous avez toujours rêvé de capturer Paris ? ArtLuxury vous donne cette occasion : capturer Paris…sur une toile blanche !

Voici notre selection d’expériences:

A la rencontre d’un peintre parisien: la peintre Laurence de Marliave  vous ouvre les portes de son univers d’artiste.

Become an artist: entrez dans l’univers d’une artiste en plein cœur de Paris, près de l’Etoile, en réalisant vous-mêmes, sous les conseils d’une artiste professionnelle votre propre œuvre.

Artiste en herbes au coeur de Paris: une approche ludique et pédagogique qui permettra aux enfants de repartir avec leurs toiles ou posters prêts à accrocher.

Pour participer à ces expériences inoubliables , contactez-nous !

 

Le parfum Fragonard: un art de vivre à la française

Le parfum Fragonard: un art de vivre à la française

07/06/2018

A quelques pas de l’Opéra Garnier, dans une petite impasse que l’on peut manquer si l’on n’y fait pas attention, se trouve le musée Fragonard. A peine franchissons-nous la porte du musée qu’une effluve d’arômes diverses et subtiles nous invite au voyage.

 

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ArtLuxury Experience est allé visiter cet univers féerique du parfum français, laissez-vous entraîner dans une aventure olfactive inoubliable, à la découverte des secrets de fabrication du parfum de cette célèbre parfumerie.

Crée par l’arrière-petit-fils du fondateur de la Parfumerie Fragonard, Jean-François Costa, le musée réunit de nombreuses collections d’objets de parfumerie. Passionné par cet univers, il décide de collectionner des pièces rares, notamment des flacons de parfum venant de toutes les époques : de l’Egypte ancienne en passant par le Moyen-Age, pour enfin terminer par notre ère. C’est un véritable voyage à travers le temps. Les flacons de parfum ont connu une évolution fulgurante en fonction des époques : de simples contenants qu’étaient les flacons pendant la Grèce Antique, ils sont devenus aujourd’hui l’objet de toutes les stratégies marketing.

 

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Ainsi, tout au long de la visite nous sont racontées différentes anecdotes concernant l’utilisation du parfum par nos ancêtres. Nous apprenons qu’au Moyen Age, les personnes se parfumaient, pensant que ce précieux liquide avait des vertus permettant de repousser la peste. A l’époque de Louis XIV, les courtisans abusaient de leur eau de toilette si bien qu’ils se frictionnaient le corps avec celle-ci au lieu de prendre un bain !

Nous sommes ensuite transportés dans l’univers même de la création de ce délicat fluide. C’est à Grasse, capitale mondiale du parfum, que nait la maison Fragonard.  C’est peu de temps avant le début de la première guerre mondiale qu’Eugène Fuchs décide de créer sa propre entreprise. Créateur et entrepreneur dans l’âme, il imagine un nouveau concept : vendre directement des produits parfumés à ses clients et aux visiteurs. Ainsi, la Parfumerie Fragonard voit le jour. En hommage au célèbre peintre Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), grassois d’origine, le fondateur de la parfumerie décide de s’approprier le patronyme de l’artiste. Ce choix marque ainsi sa volonté d’inscrire son activité dans le respect des traditions.

La visite continue, on nous explique les différentes techniques utilisées pour extraire l’essence des fleurs. Celles-ci sont ensuite mélangées ensemble pour aboutir à un bouquet olfactif hors du commun. Les chiffres sont gigantesques : pour extraire un litre d’essence de rose, il faut au moins trois tonnes de fleurs. Nous apprenons ensuite, à notre grande surprise, qu’un parfum est structuré par trois groupes qui correspondent aux différentes senteurs que les parfums exhalent dans le temps. C’est ce que l’on appelle la pyramide olfactive. Nous avons d’abord la note de tête, c’est la note la plus volatile que l’on sent juste après la vaporisation du parfum. C’est une note « fraiche et verte » qui peut durer jusqu’à deux heures. Puis, nous avons la note de cœur, elle se développe pendant plusieurs heures et constitue l’odeur caractéristique du parfum. Nous avons enfin la note de fond, celle qui s’évapore lentement, elle fixe le parfum pour le faire durer dans le temps. Le parfum n’est donc pas une entité figée, elle s’adapte et évolue en fonction de son environnement.

 

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Après un tour dans une salle exposant une multitude d’étiquettes de flacons de parfum, on nous guide vers un comptoir derrière lequel sont exposés les plus grands chefs d’œuvres de la parfumerie. Nous avons la chance de sentir mais aussi de deviner les différentes essences utilisées pour constituer ces parfums, des plus communes comme la rose ou la lavande à des fragrances plus subtiles comme le poivre noir ou bien le marshmallow. Après ce « blind test » nous avons la chance d’assister à un petit cours d’application de parfum. On nous apprend qu’il ne faut surtout pas le frotter sur notre peau car cela risque de briser les molécules dégageant l’odeur. Deux pschitts sur le poignet suffisent, il faut ensuite délicatement appliquer le reste de parfum dans le cou et derrière les oreilles. Le parfum n’a donc plus de secret pour nous !

 

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Pour terminer cette visite, nous pouvons déambuler dans les larges allées de la boutique, libres de sentir ses célèbres parfums. La visite de ce lieu est inoubliable, tout est beau aussi bien pour le nez que pour les yeux : un vrai régal sensoriel.

C’est indéniable, la Parfumerie Fragonard incarne parfaitement l’art de vivre à la française !

ArtLuxury Experience est ravie de pouvoir vous proposer cette expérience inédite : une visite guidée du musée suivie d’un atelier dans lequel il vous est possible de devenir un nez le temps d’une composition. Accompagné d’un professeur, réalisez vous-même votre propre eau de toilette. Associez les différentes essences en fonction de vos gouts pour confectionner un parfum unique : le vôtre.

Intéressé par cette prestation? Plongez dans l’univers du parfum en cliquant ici.

Constance Guisset, design actio !

Constance Guisset, design actio !

19/02/2018

A propos de Constance Guisset  

Née en 1976, Constance Guisset est une designer française très reconnue dans le monde du design contemporain.

Après avoir étudié l’économie à l’ESSEC et la politique à Sciences Po Paris, elle s’est tournée vers le monde de l’Art et du Design en poursuivant ses études à l’ENSCI.

Très polyvalente, Constance Guisset est autant douée en design industriel qu’elle l’est en scénographie et installation. Avec une délicieuse pointe d’impertinence, elle aime agir, créer, répondre à une demande, l’esquiver et parfois même la provoquer.

De plus, elle a gagné beaucoup de prix dans différentes catégories tels que le Grand Prix de la ville de Paris, Prix du créateur de l’année – Maison&Objet, meilleure scénographie des Designer Day’s, prix Wallpaper « Best Use of Color », et d’autres encore.

Elle s’est associée avec de grands studios de design tout autour du monde pour aujourd’hui exposer dans les musées les plus reconnus comme le centre Pompidou et le musée des Arts Décoratifs. Elle est également reconnue dans le monde de la scénographie où elle conçoit la mise en scène des expositions de plusieurs grandes Institutions et travaille avec de celèbres marques de vêtement comme Cyrillus ou Monoprix.

 

 

A propos de l’exposition

Au cœur de la culture parisienne, le musée des Arts Décoratifs vous invite, après l’immense succès de l’exposition Dior, à rêver autour des créations de Constance Guisset.

À mi-chemin entre le très réputé musée du Louvres et le splendide jardin des Tuileries, ce musée prend place dans un quartier chargé d’histoire et de magie.

Après avoir réalisé la scénographie de la plupart de leur plus belles installations, Constance Guisset signe aujourd’hui sa propre exposition au musée des Arts Décoratifs.

Musée des Arts Décoratifs

 

C’est ainsi que la designer nous présente sa vision du design et du monde dans lequel nous vivons avec un regard plein d’ironie mais toujours rempli d’admiration envers les traditions. Au sein de cette exposition, les salles du musée se sont transformées en véritables pièces de vie auxquelles ont été attribué des actions spécifiques. Elle s’est intéressé aux particularités de chaque pièce et à son utilité. Le hall, par exemple, est agencé autour de l’action d’accueillir, et ainsi réfléchi selon des expressions-clés telles que « sculpter le vide » ou encore « exiger l’atmosphère ».

exposition Constance Guisset design actio

L’exposition se divise selon deux parties, la Vie au Musée et la Vie des Objets.

 

La première partie se concentre sur une confrontation entre l’art ancien et le design contemporain. Chaque pièce présente des œuvres de différentes époques allant du Moyen Age au XVIIe siècle, dont des tapisseries, meubles anciens, frises historiques en bois, sculptures…

Sans cesse en réflexion sur l’utilisation que l’on fait d’une pièce, la designer a introduit, au centre de ces œuvres historiques, ses propres créations contemporaines. Au-delà de la confrontation certaine qu’il existe entre ces réalisations, des enregistrements audios et jeux de lumière participent à l’univers de l’exposition. En effet, cette scénographie permet la mise en scène d’une conversation entre les différents objets, par essence inanimés. Ainsi, vous pourrez assister à un débat sur l’évolution des coutumes du coucher entre un lit à dais du XVIe siècle et son neveu, le lit PLUME, meuble modulaire créé par Guisset. Plus encore, l’imagination de la designer nous transportent dans l’histoire et la culture et nous permet d’entrer en réflexion sur l’évolution des pratiques quotidiennes humaines au long des époques.

Constance Guisset, design actio au musée des arts décoratifs

La deuxième partie se concentre sur l’exposition de ses créations. Mais plus qu’une simple exposition de design, cette partie invite les visiteurs à participer à l’exposition en prenant place au sein de l’atmosphère des différentes pièces et en l’influençant. La première salle est dirigée par l’action de ravir. C’est ainsi que le spectateur se retrouve dans un univers magique et immersif. Entourés d’une multitude de lampes VERTIGO en rotation, les spectateurs se retrouvent au milieu de parois recouvertes d’ombres dansantes et poétiques.

Après cette expérience apaisante, vous êtes invités à découvrir la pièce de vie. Passez-y simplement pour admirer les créations design de la créatrice ou installez-vous confortablement dans les canapés afin de discuter ou au bureau pour lire un des ouvrages qui y sont disposés. Cette pièce à l’ambiance chaleureuse et confortable a été pensée comme réelle invitation à vivre et explorer. On peut d’ailleurs y trouver deux armoires fermées que nous sommes incités à ouvrir pour nous révéler un véritable cabinet de curiosités moderne. Pour la suite, les spectateurs traversent différentes pièces en passant à travers un long couloir tapissé de recherches, idées, réflexions et autres éléments qui nous plongent dans l’univers créatif de la designer.

 

Considérant le design d’une époque comme le reflet de ses pratiques, Constance Guisset vous invite ainsi à découvrir son processus créatif. Plus qu’une exposition, cette expérience exclusive nous plonge dans un univers de réflexion et de rêve rempli d’ironie. Ce voyage nous invitant à une déambulation poétique, cassant les codes des expositions traditionnelles, est parfait pour une sortie en famille et fera rire, rêver, échanger et méditer toutes les générations.

 

Cette exposition se termine le 11 mars, n’attendez plus ! Pour une visite exclusive de cette exposition, n’hésitez pas à nous contacter.

 

Exposition Degas, Danse et Dessin

Exposition Degas, Danse et Dessin

12/02/2018

À savoir sur Degas :

Peintre et sculpteur français, Degas (1834-1917) est l’un des représentants majeurs du mouvement impressionniste. Il est particulièrement reconnu grâce à sa composition novatrice et à son analyse extrême du mouvement.

A l’école des Beaux Arts de Paris, il acquiert une grande maitrise du dessin qui sera toujours caractéristique de son art.

Contrairement à ses contemporains impressionnistes, Degas ne se focalise pas aux paysages, c’est un peintre de figures.

Il va s’intéresser au monde du spectacle pour son travail personnel, et particulièrement au monde du ballet.

Fasciné par la magie de ce spectacle, il y voit un parfait exercice dans l’observation du mouvement rapide et la composition spatiale.

En portant son regard derrière les coulisses, il va peindre les artistes dans l’intimité de leurs exercices et répétitions. Ainsi, il se sensibilise à la condition sociale des danseurs, contrastant avec l’illusion féérique des costumes et spectacles.

 

 

Impressions de l’Exposition :

Cette exposition du très renommé musée d’Orsay propose une rétrospective sur 20 ans d’amitiés, lesquels ont constitué pour chacun un véritable moteur de créativité artistique.

En référence au titre du livre de Paul Valéry, Degas Danse Dessin, l’exposition propose de découvrir l’univers du peintre au travers de l’admiration que lui portait son ami écrivain.

Enrichissant la production de l’autre, au-delà des fameuses danseuses de Degas cette exposition met en parallèle l’importance de la sociabilité de l’artiste sur l’inspiration de son travail.

Guidés tout au long de l’exposition par l’ouvrage injustement méconnu de l’écrivain et poète Paul Valéry, les spectateurs sont ainsi invités à découvrir l’œuvre de son ami peintre Edgard Degas.

Ce parallèle artistique met en lumière le complément de deux arts que sont le dessin et la littérature. Des illustrations de Degas pour les ouvrages de Valéry, des croquis de la main de l’écrivain, des citations qui illustrent les œuvres…

 

Tout au long de l’exposition nous sommes transportés dans l’univers de Degas, des dessins de nu, des esquisses, des essais, des peintures, des dessins, des sculptures, … Toutes ces œuvres qui nous permettent de comprendre comment de l’étude du nu, Degas s’est ensuite intéressé à la posture pour finalement explorer l’univers de la danse.

Le travail de la posture est particulièrement intéressant chez Degas. Des danseuses et des chevaux, on reconnait toujours une brutalité de touche confrontée à une réelle précision du mouvement. Les postures qu’il met en lumière traduisent autant un vrai amour pour l’instant que pour la force de composition, et dévoilent d’importantes recherches techniques et esthétiques.

Par ses jeux de lumière et ses touches de couleurs flamboyantes Degas nous transporte littéralement dans ses tableaux où les personnages nous jouent leur histoire.

De la brutalité de la couleur à celle de la matière et de son travail, la touche de l’artiste met en lumière une énergie spécifique que seul Degas a su créer pour donner vie à ses œuvres.

© RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

© RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

 

Vous voulez découvrir l’univers de Degas ? L’exposition se termine le 25 février, n’attendez plus !

Pour organiser une visite privée et une expérience exclusive avec ArtLuxury Experience rendez-vous ici.

Exposition du MoMA à la Fondation Louis Vuitton

Exposition du MoMA à la Fondation Louis Vuitton

15/01/2018

 

L’histoire du MoMA:

Fondé en 1929 à New-York le Musée d’Art Moderne, plus connu sous le nom de MoMA, est l’un des premiers musées à être dédié exclusivement à l’art contemporain et moderne. Il met en avant des nouveaux mouvements d’art tels que le cubisme et le surréalisme, ainsi que l’architecture et le cinéma …MoMa a su se démarquer des autres musées car il a évolué avec son temps, mais surtout il a su être visionnaire en étant le premier musée à mettre en avant l’art moderne sous toutes ces formes. C’est ainsi que d’autres musées comme le centre Georges Pompidou à Paris et la Tate Modern à Londres ont suivi le pas en se dédiant à l’art modern. Le succès du MoMA était tel qu’il a dû changer trois fois de site pour pouvoir exposer un plus grand nombre d’oeuvres et accueillir un plus large public, jusqu’à sa dernière installation actuelle à Manhattan (New-York). Actuellement en travaux jusqu’en 2019 afin d’agrandir encore son espace d’exposition, il reste néanmoins ouvert aux visiteurs. Son immense notoriété vient du fait qu’il possède l’une des plus grandes collections au monde avec plus de 150 000 peintures, sculptures, dessins, gravures, photographies, maquettes et objets d’arts, ainsi que 22 000 films en tout genre. Il conserve de nombreuses pièces célèbres telles que : autoportrait aux cheveux bouclés de Frida Kahlo, La Persistance de la mémoire de Salvador Dalì ( ces deux oeuvres sont d’ailleurs présentent dans cette exposition à la Fondation Louis Vuitton ), Les Demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso…

MoMA s’invite à Paris:

 

Durant ces travaux d’expansion MoMA a annoncé une collaboration avec la Fondation Louis Vuitton. Et, pour sa toute première fois en France, son choix de lieu d’exposition n’est évidemment pas anodin.

En effet une sélection de 200 oeuvres provenant de son exceptionnelle collection est présentée dans l’ensemble des salles d’exposition  de la fondation Louis Vuitton.

Partant de l’architecture exceptionnelle du lieu , la scénographie mise en place autour des 4 salles principales propose un parcours chronologique retraçant l’histoire et l’évolution du MoMA, permettant aux visiteurs de contempler ces oeuvres contemporaines sous toutes leurs formes: peintures, sculptures, photographies, films, architecture…

La visite commence à l’étage inférieur de la Fondation, présentant les oeuvres acquises dès la création du MoMA en 1929 et retraçant son évolution jusqu’aux années 50.

Cette salle s’organise en trois parties, toutes s’enchainent de façon chronologiques en mettant en avant les mouvements contemporains de ces périodes.

La premiere partie est dédiée aux collections du MoMA de son origine en 1929 jusqu’en 39; on y retrouve des oeuvres telles que : (…) provenant toutes de dons de collectionneurs privés. Ainsi, à l’origine les principales oeuvres exposées étaient des peintures et sculptures; par la suite les nouvelles collections deviennent de plus en plus pluri-disciplinaires, mettant en lumière les nouvelles formes d’arts telles que le cinema, la photographie, l’architecture et le design.

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Puis nous découvrons la seconde partie, dédiée à l’origine européenne de la modernité. On peut y retrouver des oeuvres majeures tels que « Le Meneur » de Picasso et « Palette » de Matisse. Sont ainsi mis à l’honneur les principaux mouvements de cette époque : le cubisme, le constructivisme, l’abstrait, et le surréalisme.

La dernière partie aborde enfin l’abstraction Américaine. En effet, on a reproché au MoMa d’être trop tourné vers l’art européen sans jamais mettre en avant les artistes et mouvements américains. Dans les années 1940-50, dans un contexte international d’après guerre et surtout de guerre froide, MoMA va mettre en avant le premier grand mouvement pictural Américain, l’expressionnisme abstrait, dont  l’Action painting, mettant en avant la gestuelle du peintre et symbolisé par Jackson Pollock, et aussi le Colorfield painting (expressivité de la couleur), incarné par Mark Rothko.

Nous poursuivons la visite à l’étage supérieur pour aborder, du niveau 0 jusqu’au niveau 2, la thématique « Devenir Moderne », parfaite illustration de la volonté novatrice du MoMA au fil des années.

Ainsi la grande salle du niveau 0, en rupture avec l’expressionnisme abstrait de la précédente période, nous présente deux nouveaux mouvements: le minimalisme, puis le Pop Art.

La première section regroupe des séries, peintures et sculptures minimales, dont l’approche vise à simplifier les oeuvres, dotées d’une  structure simple, généralement géométrique comme en témoigne l’utilisation du motif de la grille représenté dans « The marriage and squalor » de Frank Stella.

Cette volonté se retranscrit aussi en architecture, comme par exemple à travers la maquette de la « Lever House », ou aussi le fragment du mur-rideau de verre des Nations-Unies.

La deuxième section quant à elle met en avant l’Amérique Pop des années 1960. La culture populaire de masse est illustré par ce mouvement « Pop art », essentiellement visuel et répétitif. On y retrouve des oeuvres majeures d‘Andy Warhol telles que Double Elvis, « Boîtes de soupe Campbell », mais aussi celles d’autres artistes majeurs, comme Roy Lichtenstein avec « la Fille qui se noie », re-visitant les codes de la bande dessinés en intégrant le style Pop art.

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En accédant à l’étage supérieur, la visite se poursuit en présentant deux nouvelles évolutions:  « l’art en action », et  « images et identités ».

L’art en action reflète les nouvelles formes artistiques des années 1960 et 1970. En effet, des mouvements contestataires apparaissent, entrainant les artistes à s’interroger sur le rôle de l’art et de l’engagement de l’artiste dans la société. De nombreux artistes essayent de dépasser les frontières de l’art habituel, en utilisant des nouveaux matériaux souvent pauvres ou insolites et représentant parfois des parties du corps humain, privilégiant souvent les formes fragiles et éphémères. Ces nouvelles oeuvres sont ainsi clairement considérées dans la lignée de l’art conceptuel.
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La deuxième partie de cette salle est consacrée à la scène américaine des années 1980-1990, faisant echo aux prises de position des artistes opposés à la guerre du Vietnam et engagés dans cette guerre culturelle affrontant conservateurs et progressistes. Beaucoup d’artistes vont ainsi exprimer leurs opinions sur les sujets d’actualités tels qu’également le genre, les questions raciales…

La dernière partie de l’exposition au niveau 2 aborde enfin l’art du 21 ème siècle. Les évolutions et acquisitions des vingts dernières années nous sont ici présentées : la révolution du numérique ouvrant de nouveaux champs et perspective de création dans toutes les disciplines comme le design et l’architecture, en passant par l’art hybride, la photographie, jusqu’à la vidéo et les emojis (Pixel art)… bouleversant ainsi les codes muséologiques.

Pour clore ce merveilleux voyage sur une note musicale, laissez-vous emporter par la magnifique installation sonore de Janet Cardiff avec son Motet à 40 voix,  création contemporaine re-visitant un chant polyphonique du XVI ème siècle.

Nous vous proposons un avant-goût de ce voyage à travers ce court métrage réalisé pour vous.

Fondation Louis Vuitton : 8, Avenue du Mahatma Gandhi. Bois de Boulogne – 75116 – Paris

Du 11 octobre 2017 au 5 mars 2018.

Si vous désirez plus de détails sur cette exposition ou l’organisation de toutes autres visites ou expériences exclusives, nous vous invitons à nous contacter 

Hermès à tire d’aile

Hermès à tire d’aile

23/11/2017
Découvrer et voyager à travers les mondes de Leila Menchary, directrice artistique d’Hermès.  

L’histoire de la maison Hermès est une authentique tradition familiale. Tout commence en 1837 par la création de la maison par Thierry Hermès, l’activité alors étant exclusivement spécialisée dans la fabrication de harnais et de selles pour cheval. Son fils Charles-Émile, dans les années 1880, installe l’Atelier au 24 rue Faubourg Saint Honoré, et conduit le développement de l’entreprise vers la maroquinerie, proposant tous les accessoires dédiés aux cavaliers : sacs, pochettes, sacoches… Et c’est dans les années 1910 que son petit fils Émile-Maurice lance Hermès dans la confection de bagages et de sacs de luxe, cousus sellier. Dans les années 1920-1930 Hermès poursuit son développement et devient une maison de luxe généraliste, diversifiant ses créations vers des collections d’accessoires de voyage, d’horlogerie et de mode, comme, en 1935, le lancement du mythique sac Kelly, suivi en 1937 par le non moins illustre carré foulard. Dans les années 50 Hermès crée sa branche parfum, à l’instar de L’eau d’Hermès lancé en 1951 et devenue culte ! C’est dans la seconde moitié du 20 ème siècle qu’elle s’est lancée vers l’international, et devient ainsi l’une des références mondiales dans l’univers du luxe, de l’artisanat et savoir-faire à la française.

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Leïla Menchari, née en 1928 près d’Hammamet en Tunisie, est diplômée des Beaux-Arts de Tunis, ainsi que de l’école nationale supérieure des beaux-arts de Paris, admise en section peinture à l’atelier Narbonne. Sa passion pour les étoffes, les accessoires, et surtout sa grande amitié avec Azzedine Alaïa lui ont permis de côtoyer le milieu de la couture et de la mode. C’est ainsi que Guy Laroche l’engage comme mannequin à sa sortie des Beaux-Arts. Et ensuite, sa rencontre avec Annie Beaumel marque un tournant dans sa carrière artistique. Elle sera son assistante et sa première dessinatrice avant d’être en 1978 à la tête de la décoration chez Hermès. Depuis ce jour elle est non seulement en charge de la décoration des vitrines mais aussi directrice du Comité de coloration de la soie chez Hermès, et, à ce titre, elle réalise 4 décors par an pour les vitrines du célèbre créateur, présentant des univers oniriques où se croisent l’Orient et l’Occident, le luxe et les matières brutes. Surnommée par la profession « Magicienne en chef » de la boutique du 24 rue du Faubourg Saint-Honoré, Leila Menchari, de saison en saison, offre ses rêves et son immense talent pour composer avec magie et telle une oeuvre d’art les vitrines d’Hermès.

 

Si vous êtes intéressés par cette exposition, contactez nous

En teaser pour découvrir cette univers onirique nous vous invitons à regarder notre vidéo.

 

Le rêve en chocolat d’Un Dimanche à Paris

Le rêve en chocolat d’Un Dimanche à Paris

28/09/2017

ArtLuxury-37Situé au cœur de la rue pavée du Commerce-Saint-André dans un bâtiment historique, comprenant les vestiges d’une tour du 13ème siècle, Un Dimanche à Paris est une destination unique pour une expérience culinaire unique. Un espace sans semblable à Paris ; qui est seulement rivalisé par l’approche innovante à la pâtisserie et surtout au chocolat de la maison. L’amour et la passion de son créateur, Pierre Cluizel, pour le chocolat sont contagieux. Les adeptes de chocolat se sentent à la maison dans ce « concept store », qui fait en même temps restaurant, salon de thé, boutique tout chocolat et école de cuisine. Ce paradis dédié au cacao sous toutes ses formes pourrait convaincre même les plus fervents courtisans du salé. L’un de leurs produits le plus renommé est leur chocolat chaud, une boisson qui peut souvent s’avérer être lourde, mais Un Dimanche à Paris a réussi à créer une savoureuse recette que l’on pourrait boire sans retenue !. Grâce à sa texture veloutée et son mélange idéal d’amertume et de douceur, on ne peut nier que c’est le chocolat chaud le plus délicieux de Saint Germain des Prés, sinon de Paris. Les pâtisseries suivent le même chemin d’excellence. Tout en mélangeant la tradition et la modernité, ce qui peut être vue comme une idéologie commune dans le restaurant d’aujourd’hui; Un Dimanche a Paris parvient brillamment à se démarquer par ses créations uniques. Par exemple, leur ‘Galet’, semble être un caillou comme ceux qu’on trouve sur les plages françaises. Pourtant, quand on craque la pierre de chocolat blanc, on y découvre une mousse au chocolat blanc avec du caramel au beurre salé qui se mélange parfaitement avec le gâteau à génoise sur lesquels repose le galet.

Si les nombreuses merveilles du salon de thé (plus précisément le salon de chocolat chaud) et du magasin ne comblent pas toutes vos envies, Un Dimanche a Paris offre des cours ou ateliers de création conçus  autant pour le professionnel que tout novice dans l’art du chocolat et des pâtisseries. Leur cuisine située à l’étage, au dessus de la boutique, ressemble à celle d’un superbe appartement parisien, ce qui permet aux participants de se sentir immédiatement chez eux dans une bulle des arts culinaires français.

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ArtLuxury Experience a eu le privilège de visiter cette cuisine, qui peut être considérée comme un laboratoire de créations délicieuses, au même moment où le sous-chef Pâtissier préparait une glaçure au chocolat blanc … l’odeur suffisait pour que les étudiants les plus réticents se retroussent les manches et aient envie de cuisiner. Toutefois si l’on souhaite simplement déguster des pâtisseries et des chocolats fins, le salon de thé est l’endroit idéal pour le faire. Les mûrs de pierre, qui ont vu une grande partie de l’histoire de Paris, créent une atmosphère intime et chaleureuse, parfaite pour profiter du délicieux chocolat chaud de la maison et de ses diverses pâtisseries.

La passion serait assurément le meilleur mot pour décrire Un Dimanche à Paris. C’est le sentiment qui émane de cette institution naissante et de ses créations, et donc celui qui vous envahira en pénétrant cet univers unique qu’est Un Dimanche à Paris. Au-delà des cours et du restaurant, le magasin lui-même est un trésor pour les amateurs de chocolat et les amateurs d’histoire, car il est situé dans le bâtiment qui servait à abriter, en son temps, l’imprimerie de Marat. Dans le magasin, vous trouverez toutes leurs créations autour duchocolat, allant des barres de chocolat aux épices recouvertes de chocolat, recommandées pour accompagnerdes plats savoureux comme le saumon. Sans aucun doute, il serait facile de passer des heures, sinon des jours, à Un Dimanche à Paris.

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Pour une visite découverte, des ateliers de créations de chocolat ou pâtisserie, voire une privatisation pour un événement gastronomique exclusif, ArtLuxury Experience vous propose d’organiser sur mesure une expérience unique !. Contactez-nous to make Paris yours.

 

Un vent de renouveau sur la Biennale Paris

Un vent de renouveau sur la Biennale Paris

19/09/2017

La Biennale Paris, seul son nom suffit à cet évènement qui évoque à lui seul tout ce que le monde a à offrir de plus raffiné et précieux en matière d’arts décoratifs et de joaillerie. Fondée en 1959 par André Malraux pour promouvoir les arts français, elle a depuis été le lieu où les grands collectionneurs et les grandes maisons d’art, de mobilier anciens et de joaillerie se retrouvaient. Malgré l’absence de grandes maisons telle que Cartier ou Van Cleefs et Arpels cette année, la Biennale n’a pas perdu de son prestige, au contraire l’absence de noms – pourrait-on dire trop connus – donne une dimension plus « intime » à l’évènement. Sous la verrière du Grand Palais, les arts anciens cohabitent avec les arts modernes dans une certaine harmonie, toutefois il est rare de voir une gallérie ou un antiquaire qui étend son regard aux deux de manière importante. Ce choix se comprend puisque chaque maison veut être la référence du style qu’elle représente et que chaque maison puise son essence d’une époque distincte. Les joaillers eux semblent, au contraire, prendre un certain plaisir à mélanger les styles et les époques dans leurs vitrines. A leurs yeux un bijou reste un bijou et sa beauté demeure indéniable.

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La maison Véronique Bamps nous a ainsi fait découvrir un collier qui aux premiers abords apparaît comme une œuvre crée cette année par une des grandes maisons qui veut suivre la mode des pierres aux couleurs insolites. Cependant, le bijou ne date pas de cette année et non plus du siècle dernier, le collier fut de fait porté dès le XIXème siècle. Ainsi le bijou, à proprement parlé unique, côtoie aisément dans sa vitrine une paire de boucle d’oreilles de la maison Jar, maison fondée en 1978. Cependant la joaillerie classique ne perd pas sa place malgré l’air de renouveau qui souffle sur la Biennale. Il suffit d’admirer ce diadème proposé par Alain Pautot pour comprendre que les bijoux sont intemporels et fait pour se transmettre.

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La Biennale célébrant les antiquaires, il serait difficile de ne pas faire leur éloge, en tout cas de ne pas faire celle de leurs collections. Qu’elles soient pop ou Louis XVI chaque collection met en avant l’excellence dans son domaine. Ainsi la Galerie de la Présidence, qui se spécialise dans les maitres du XXème siècle, expose dans un cadre sobre des œuvres de Raoul Dufy (voir photo), Alexander Calder, Paul Signac et encore d’autres artistes tous aussi prestigieux.

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A l’opposé de la sobriété de certains, mettant une préférence sur l’œuvre en tant que tel, d’autres ont décidés de créer de véritables intérieurs pour mettre en contexte leurs collections. La gallérie Gismondi en étant un superbe exemple avec ces boiseries laquées qui créent un véritable écrin pour accueillir et mettre en valeur sa collection du XVIIème et XVIIIème siècle. Toutefois il ne faut pas croire que seules les galeries préconisant l’art plus moderne épousent la sobriété dans tout sauf les œuvres. La Galerie Mendes, négociant de tableaux et dessins anciens, donne toute la place aux œuvres dans une certaine obscurité qui les individualise et leur donne un aspect moderne en vogue chez les collectionneurs. Finalement les maisons les plus connues tel que G. Sarti et la galerie Perrin semblent avoir évolué avec l’envie de plaire à des collectionneurs moins traditionnels. Une telle évolution se fait ressentir dans leur manière d’exposer leurs œuvres. Une approche plus contemporaine avec une certaine simplicité qui épouse mieux les décors contemporains. Ainsi on ressent une mise en avant de l’aspect vivant de leurs collections, qui auraient tout autant leur place dans les musées prestigieux que dans nos appartements. D’autres galeries ont, elles, choisies de suivre la mode des cabinets de curiosités en vogue dans les magasins de luxe et au contraire cherchent à éblouir les visiteurs collectionneurs.

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Finalement, la Biennale Paris 2017 semble avoir définitivement ouvert un nouveau chapitre de cet évènement mythique. En cherchant à moderniser, tout en gardant l’essence de l’évènement, les organisateurs se sont trouvé face à un défi risqué qu’ils ont réussi avec brio. En dehors des nombreux exposants qui ont suivies cette vague, la Biennale a accueilli une exposition des collections Barbier-Mueller. Cette collection reflète à elle seule le nouveau visage de la Biennale puisqu’elle contient aussi bien des œuvres d’artistes comme Élisabeth Louise Vigée Lebrun que Jeff Koons. Elle reflète d’autant plus la nouvelle Biennale par sa dimension internationale, un aspect que le choix d’exposants reflète aussi. Ainsi environ un tiers des collections présentées sont celles de galerie étrangères. Voici comment sur cette note de renouveau la Biennale s’achève pour revenir l’année prochaine, puisqu’elle est désormais annuelle, ayant adopté définitivement ses nouveaux quartiers de noblesse du XXIème siècle.

ArtLuxury Experience serait heureux de vous créer une experience shopping extraordinaire.

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La Quintessence ou l’excellence des spiritueux français

La Quintessence ou l’excellence des spiritueux français

13/09/2017

La quintessence est définie comme étant ce qu’il y a de plus raffiné en une chose chose, ce qui en est l’essence même. Ainsi ArtLuxury Experience a eu le plaisir de découvrir les plus beaux spiritueux français au Salon des Spiritueux Français : France Quintessence au Pavillon Ledoyen, lieu mythique de la gastronomie et de la vie parisienne . Toutefois, si l’on pense d’abord aux grands classiques des alcools français tel que le cognac, l’armagnac ou bien le calvados, on a tendance à omettre que d’autres spiritueux peuvent intégrer les rangs de ces alcools classiques. Ainsi de nombreux spiritueux, qui pour la plupart puisent leurs origines à l’étranger, ont étés remis au gout français par des jeunes maisons qui ne demandent qu’à être reconnues.  Le premier de ces ‘spirits’, dont le nom retentit comme le suprême des alcools anglais et représente tout un art de vivre Outre-Manche, le gin semble avoir trouvé sa place en tant que spiritueux français.

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La première maison qui nous a amené à réaliser l’étendu des spiritueux français est la maison Decroix.   Auteurs d’un cognac biologique d’exception à l’origine, la maison Decroix se lancent aujourd’hui dans l’aventure de la production d’un gin bio de haute exigence, tant sur le plan de ses origines agricoles bio que de son gout élaboré et complexe. A l’origine de leur projet, un extraordinaire poivrier du Sichuan planté chez eux il y a plus de vingt ans. Ses baies à l’aromatique puissante et spontanée, fraîche en bouche, poivrée, anisée et citronnée donnent les notes de base de leur gin. Ce gin qui ne ressemble à aucun autre par ses notes à la fois poivrées et sucrées, ne cessent de se développer une fois en bouche, ne laissant pas ses saveurs diminuées avec l’ajout du traditionnel tonic, au contraire elles semblent être accentuées.

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Le gin semble trouver sont succès parmi les alcools français, au point où deux amis parisiens on décidé de créer un gin dans un style qui mélange tradition et excentricité. La maison Lord of Barbés, crée en 2016, a choisi de créer un produit dont le contenant est toute aussi raffiné et artisanal que le contenu. Ainsi le gin trouve son écrin dans une bouteille, ou plutôt un flacon, réalisé par les maîtres verriers de Waltersperger (créateurs pour Guerlain, Chanel et de nombreuses prestigieuses maisons françaises). Son écrin bleu, on oserait même dire bleu Klein, semble essentiel pour protéger le trésor qu’il recelle. Ainsi, lorsqu’on ose le découvrir on a droit a un gin qui mélange douceur et complexité, tant par ses goûts que par ceux qu’il laisse en bouche après. Lord of Barbés par son style, son gout élaboré et son approche à l’univers du gin, apparaît comme le gin parisien par excellence.

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Après le gin, le whiskey semble avoir trouvé une place de choix au cœur de la production française. Toutefois une maison qui a retenu notre attention est Warenghem et sa gamme Armorik Whiskey Breton. Cette maison ne voit pas sa production de whiskey comme une entorse à la tradition écossaise et irlandaise, mais comme un reflet de la culture celte qu’elle partage avec ces deux pays. Toutefois l’Armorik se différencie de tout autre whiskey traditionnel durant sa fabrication et surtout son vieillissement. Ainsi, puisqu’en Bretagne, les températures plus clémentes qu’en Ecosse cela favorisent un vieillissement un peu plus rapide. C’est l’accord de tout les éléments qui rend ce whiskey unique que nous retrouvons un gout en bouche si incomparable.

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Il est temps maintenant de se tourner vers la Russie pour puiser les origines de cet alcool qui a été ré-imaginé au gout français par la maison Guillotine. Voilà donc que la vodka devient parisienne, et même au-delà elle devient française, puisqu’elle est obtenue par la distillation de raisins extraits exclusivement du vignoble Champenois. On ne saurait dire laquelle des deux vodkas fabriquées par la maison est la plus douce en bouche. La première, Guillotine Vodka, est souple et onctueuse en bouche, tapissant délicatement le palais avec les notes citronnées et légèrement fruités dues au raisin qui forme la complexité structurelle de cet alcool. Ensuite la maison Guillotine propose une vodka encore plus surprenante, la Guillotine Héritage. Par ses notes boisées, couplées à des épices, de la vanille et de la cannelle, cette vodka surprend en bouche et sa finale révèle encore d’autres goûts étonnants avec un côté umami, une pointe de réglisse et de poivre du Sichuan.

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Parmi ces alcools souvent inspirés du froid et de la pluie, nous avons trouvé une pointe d’exotisme avec Ti les Rhums de Ced. Cette maison utilise un rhum AOC venant de Martinique comme base puis rajoutant des fruits frais venant directement des meilleurs producteurs du monde et du Pays de Retz; elle a crée une technique de macérations unique. Suite à cela nous obtenons un gout et une texture en bouche qui ne se compare à aucun autre rhum, que ce soit par son développement en France ou par les goûts originaux que procurent les différents mélanges de fruits et d’épices.

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Pour finir, une maison a retenue notre attention, non par sa manière de retravailler un alcool étranger ou même un alcool français mais par le fait qu’elle a crée un alcool unique et nouveau. La maison Saint Germain a composé une liqueur de fleurs de sureau pensée comme un hommage à l’art de l’apéritif à la française et aux années folles parisiennes. Ce dernier élément se remarque évidement dans le design de leur bouteille qui a un air Art Déco indéniable, mais aussi dans son gout qui laisse imaginer une douceur de vivre et une certaine insouciance. Cette idée de lenteur semble trancher avec la rapidité qui est nécessaire à la production de cette liqueur, puisque la fleur de sureau ne peut être récoltée que 2 semaines dans l’année et exclusivement à la main. Toutefois la maison Saint Germain arrive chaque année à produire un produit unique aux notes suaves et profondes qui transportent le palais avec ses notes sucrées et fruitées, qui se marient avec tout, du whisky au prosecco en passant par le gin. Le Saint Germain apparaît comme étant un alcool qui va faire parler de lui comme la boisson de l’élégance et de l’insouciance parisienne par excellence.

ArtLuxury Experience serait fière de vous faire découvrir encore d’autres aspects de la culture gustative française avec ses expériences gastronomiques.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Dior: Couturier du rêve

Dior: Couturier du rêve

18/07/2017

Dior: Couturier du rêve

En 1947, Christian Dior organisait son premier défilé pour sa collection Printemps-Eté de cette même année. La légende était née. A l’occasion des 70 ans de la marque, le musée des Arts Décoratifs lui rend un hommage vibrant avec une rétrospective sur l’œuvre de la Maison Dior.

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L’artiste :

Christian Dior fait ses premiers pas dans l’art dès les années 1930. Il crée sa galerie avec son ami Pierre Cole. Il côtoie des artistes comme Miro, Braque, ou encore Calder, avant de devenir modéliste dans une Maison de mode. Dès la première salle de l’exposition, les visiteurs sont plongés dans l’univers artistique du créateur. Les liens privilégiés que Mr Dior entretient avec le milieu de la peinture se retrouvent dans ses créations tout au long de son œuvre. Son environnement artistique donnera naissance à des robes inspirées d’Arlequin ou encore de l’expressionisme de Jackson Pollock, pleines de grâce et de couleurs.

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Le créateur inspiré :

Les salles suivantes nous invitent à admirer la diversité des œuvres de la Maison Dior. « Je souhaite habiller les femmes de la tête au pieds », tels étaient les mots du couturier, qui prennent vie à travers ses créations dans les salles Colorama. Disposées comme un arc-en-ciel, les œuvres exposées dévoilent l’immense travail de Christian Dior sur les couleurs. Du blanc au noir, toutes les couleurs sont présentes. On y retrouve des robes, évidemment, mais également des chaussures, des sacs, et d’autres accessoires imaginés par le créateur.

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Les escaliers descendus et les robes pharaoniques dépassées, les visiteurs se retrouvent plongés dans un nouvel univers, une salle lumineuse et immaculée, des fleurs recouvrant le plafond. On peut lire sur les murs « les fleurs sont, avec les femmes, les plus belles créations sur Terre ». Nous pénétrons dans un véritable Jardin d’Eden, où sont exposées des robes aux luxuriantes inspirations florales, si chères au couturier. En motif ou cousues sur les robes, les fleurs sont présentes sous toutes les formes.

Expo Dior (Fleurs)

L’héritage de la Maison :

A la mort de M. Dior en 1958, des grands couturiers se succèdent à la tête de la direction artistique de Dior. D’Yves Saint Laurent à Maria Grazia Chiuri, tous ces créateurs ont laissé leur empreinte dans la Maison de Haute Couture. Ils ont su garder ce « New Look » évoqué par Carmel Show (rédactrice en chef du Harper’s Bazar) au lancement de la première collection du fondateur. Dans plusieurs salles se succèdent les œuvres de ses différents héritiers spirituels et artistiques. On y côtoie à la fois des pièces hautes en couleurs et des robes plus classiques, à l’mage du tailleur de Raf Simons.

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En fin d’exposition, les visiteurs traversent un couloir sombre où sont exposées, à l’image d’une frise chronologique, 70 ans de création de la Maison Dior, pour aboutir sur un ultime et immense salon d’exposition. La mise en scène époustouflante de celui-ci met en lumière de nouvelles robes somptueuses, laissant les visiteurs sans voix devant cette dernière impression de la légendaire Maison Christian Dior.

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ArtLuxury Experience serait heureux d’organiser pour vous la visite personnalisée de cette exposition, ou encore un fashion tour Avenue Montaigne ou rue du Faubourg Saint Honoré.

 

David Hockney au Centre Pompidou

David Hockney au Centre Pompidou

05/07/2017

David Hockney au Centre Pompidou : le figuratif moderne

Du 21 juin au 23 octobre 2017 est exposée au Centre Pompidou la plus grande rétrospective de l’oeuvre du peintre anglais David Hockney, en collaboration avec le Tate Britain de Londres et le Metropolitan Museum de New York.

Une vie peu ordinaire

Né en 1937 dans une famille modeste du Yorkshire, David se passionne très vite pour l’art. Fils d’un objecteur de conscience pendant la Seconde Guerre Mondiale, il refuse de faire le service militaire et aborde d’abord des sujets politiques dans ses oeuvres. Il partage sa vie entre l’Angleterre et Paris, mais c’est son voyage aux Etats-Unis qui lui permettra de s’émanciper de ses velléités trop avant-gardistes pour trouver son véritable style.

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« Dès que vous commencez à tricher au nom de la beauté, vous savez que vous êtes un artiste. » (David Hockney)

A contre-courant des artistes de son temps, David Hockney ne développe pas tant son oeuvre autour de la politique et de la provocation qu’autour du « beau ». En quête d’un idéal minimaliste, coloré et percutant, les tableaux de piscines inspirés par son amant Peter Schlesinger sont certainement les plus emblématiques de cette recherche esthétique. Couleurs primaires et géométrie se mêlent au soleil lumineux de Californie pour créer une ambiance à la fois libératrice et écrasante.

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Une incroyable rétrospective

Pour la première fois, le Centre Pompidou rassemble en une intelligente scénographie les plus grandes oeuvres de l’artiste – comme les plus petites. Ainsi, le spectateur aura l’occasion d’admirer les dessins de l’artistes, notamment ses portraits et auto-portraits aux lignes épurées et évocatrices. Toutes les périodes de l’artiste sont représentées, des piscines aux canyons en passant par les doubles portraits, et même son travail de photographe. Une oeuvre bâtie comme une ode à la vie ou, comme il le dit lui même : « Je crois que je suis avare, mais pas d’argent (…), je suis avare d’une vie excitante. Je veux d’une vie constamment excitante, et c’est ce que j’ai en vérité. Et j’ai l’intention de la garder excitante jusqu’à la fin de mes jours. »

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ArtLuxury vous propose une visite exclusive de cette exposition, contactez-nous pour plus d’informations.

Rencontre avec Pierre-André Hélène

Rencontre avec Pierre-André Hélène

27/06/2017

Rencontre avec Pierre-André Hélène, raconteur passionné et amoureux de Paris

 

Pierre-André Hélène est l’un des plus grands connaisseurs de l’histoire de Paris et un partenaire privilégié d’ArtLuxury Experience. Reconnu pour son expertise et ses talents d’orateur, il intervient dans certaines des plus belles visites organisées par ArtLuxury Experience, comme l’Opéra Garnier ou l’Hôtel de la Païva. Il nous a également offert l’opportunité unique de privatiser le musée Maxim’s pour des évènements d’exception. Nous l’avons rencontré pour un dîner magique dans un endroit privé au coeur de Paris, le Cercle de l’Union Interalliée…

Bonsoir Pierre-André.

Bonsoir !

Pour commencer, pourriez-vous vous présenter en quelques mots ?

En quelques mots je dirais que je suis un raconteur. C’est ce que j’aime vraiment faire : raconter de belles histoires de sorte que les gens qui écoutent apprennent en s’amusant. Et c’est extrêmement gratifiant parce que quand j’ai raconté quelque chose pendant une heure, les gens me disent « on vous écouterait pendant des heures ». Cela montre qu’une belle histoire fonctionne à tous les âges. A partir de là, j’ai décliné ce talent en beaucoup de choses, c’est à dire des visites de Paris, de l’écriture, du théâtre, de la télévision, de la radio pendant 8 ans et le musée Maxim’s bien sûr.

Quels ont été votre parcours professionnel, votre formation et les différents métiers que vous avez pu exercer ?

Mon exemple est un très mauvais exemple, surtout à ne pas suivre (rires). Je ne me suis quasiment jamais servi des études que j’avais faites. J’ai fait un master en droit des affaires à Assas dont je ne me suis absolument jamais servi – puisque le droit m’ennuyait à mourir. J’ai ensuite fait un master en Histoire de l’Art qui, je le reconnais, m’a beaucoup plus intéressé. Mais j’ai bien compris que l’Histoire de l’Art ne menait pas à grand chose donc la question suivante s’est très vite posée : « Que pourrais-je bien faire ? ».

A ce sujet, je cite souvent Jean d’Ormesson. Il raconte volontiers que, lorsqu’il avait une vingtaine d’années et que son père lui avait demandé « Mon garçon qu’allez-vous faire dans la vie ? », il avait répondu « Mais rien, bien sûr ! ». C’est exactement la réponse que j’aurais voulu pouvoir faire mais hélas mon état de fortune me l’interdisait… et d’ailleurs la question ne m’a pas été posée (rires) ! Comme je n’avais donc pas les moyens de dire que je ne ferai rien, je m’étais dit : « Que pourrais-je faire qui me donne l’impression de ne rien faire ? ». Et c’est ainsi que j’ai commencé à faire des visites de Paris, parce que raconter de belles histoires me paraissait très facile – et j’ai d’ailleurs mis quinze ans à comprendre que c’était en fait un talent.

J’ai fait ça pendant 17 ans, ça a bien marché, et un jour, tout à fait par hasard, j’ai rencontré Pierre Cardin. Il m’a emmené dans un entrepôt qu’il avait, rempli de meubles Art Nouveau. Symboliquement on marchait dessus : ils étaient entreposés les uns sur les autres, sans ordre. Je lui disais au fur et à mesure « ça c’est très connu c’est d’untel, ça ça me dit quelque chose aussi, et ça c’est pas mal du tout »… et finalement je lui ai suggéré de faire quelque chose de tout cela. Il a répondu : « C’est une excellente idée, d’ailleurs vous allez le faire ! ». Et c’est comme ça que j’ai créé cette collection pour Maxim’s dont je me suis occupé pendant 13 ans, jusqu’à ce que Pierre Cardin décide, à 95 ans, de commencer à se séparer d’un certain nombre de choses.

Donc voilà j’ai d’abord fait des visites de Paris où j’ai présenté plus de 250 sujets différents sur l’histoire de la capitale. J’ai aussi organisé plus de 70 voyages, notamment sur Toulouse-Lautrec (NDLR : l’épouse de Pierre-André étant l’arrière petite-cousine de Toulouse-Lautrec, ils s’occupaient tous deux du château familial où Lautrec avait passé son enfance), à Prague, à Vienne… Véronique (NDLR : l’épouse de Pierre-André) étant chanteuse, nous avons aussi organisé énormément de concerts : nous avons par exemple loué le Théâtre du Trianon pour un concert d’hommage à Yvette Guilbert, chanteuse représentée maintes fois par Toulouse-Lautrec. A la suite de ça nous avons fait le Festival d’Avignon, des concerts dans des hôtels particuliers…

J’ai également fait de la radio pendant huit ans : une chronique de 10 minutes dans une émission appelée Voix contre oreille sur Aligre FM. C’était très sympa car je ne savais absolument pas de quoi nous allions parler en arrivant le matin. J’avais 10 minutes pour m’enquérir du thème de l’émission et trouver une chose intéressante à dire en lien avec ce thème et l’Histoire de Paris. Un très bel exercice d’improvisation.

Je suis également intervenu dans plusieurs émissions de télévision, les plus connues étant Secrets d’Histoire et Des racines et des ailes. Mais je suis intervenu dans le monde entier : j’ai fait 3 émissions pour la NHK au Japon, 3 autres pour la BBC et même pour Al Jazeera, pour la télévision allemande etc.

Bien entendu j’ai publié plusieurs livres, le principal portant sur les palaces en France. Et aujourd’hui j’anime une chaîne YouTube (L’Histoire sans secret), je fais des promenades avec ma Rolls… Voilà, plein de choses !

Vous avez donc commencé votre carrière par des visites de Paris… selon vous qu’est-ce qui rend cette ville si unique ?

C’est certainement parce qu’aux yeux du monde entier – et les Parisiens ne s’en rendent hélas même plus compte – Paris est la ville de l’amour et du romantisme… Et c’est pour cela que la Terre entière vient à Paris. Ceux qui s’imaginent que Paris reste la première destination touristique mondiale à cause des monuments, de l’Histoire, de la gastronomie ou du luxe sont dans l’erreur totale ! Si Paris reste symboliquement la première destination touristique au monde, c’est parce qu’elle incarne l’amour et le romantisme. D’ailleurs, Woody Allen avec Midnight in Paris ne s’en était pas trompé… et à son sujet j’ai une histoire assez amusante !

J’ai reçu Woody Allen pendant 2 heures chez Maxim’s. J’ai reçu 3 metteurs en scène d’importance  chez Maxim’s : Stephen Frears, à qui j’avais prêté de nombreux meubles pour son film Chéri, Robert Zemeckis et Woody Allen. Et lorsque Woody Allen est venu chez Maxim’s avec son équipe, je n’ai parlé qu’au premier assistant, parce que Woody Allen était à côté, chapeau vissé sur la tête, n’écoutant rien, ne regardant rien, ayant l’air totalement ailleurs. Au bout de 2 heures ils s’en vont, et j’observe alors un phénomène extraordinaire. Son équipe se coupe en 2, telle la Mer Rouge dans les Dix Commandements, pour que Woody Allen puisse passer le premier, remontant sa cour, et prononcer ces seuls et uniques mots en 2 heures : « au revoir » (rires)…

Y a-t-il eu des scènes du film tournées chez Maxim’s ?

Oui ils sont venus tourner des scènes, tout à fait. Au moment où le héros retourne à la Belle Epoque, la voiture les emmène chez Maxim’s. Ca lui a plu semble-t-il… Je garde cette anecdote pour mes mémoires (rires).

Quels sont vos endroits préférés à Paris ?

Sans hésitation et en numéro 1 je mettrais l’Opéra Garnier. C’est un lieu merveilleux. A titre professionnel, l’Opéra est une visite merveilleuse, un conte de fées total. Le Fantôme (NDLR : de l’Opéra) est une histoire extraordinaire, d’ailleurs basée sur une histoire vraie ! Donc ça mêle vraiment la magie, la réalité… c’est génial.

A côté de ça il y a plein d’endroits merveilleux à Paris. J’ai un faible certain pour l’Hôtel de Soubise qui est occupé par une partie des Archives Nationales dans le quartier du Marais. C’est un somptueux palais de 1704 avec des décors intérieurs sublimes, dans lequel il n’y a jamais personne. L’Hôtel de Soubise c’est Versailles en mieux, car c’est Versailles sans ses hordes de touristes.

Quelle est l’histoire de cet hôtel ?

Cet hôtel a été construit entre 1704 et 1709 pour le Prince et la Princesse de Soubise qui venaient de Lorraine pour s’installer à Paris. Ils rachètent le vieil Hôtel de Guise et le font  presque entièrement raser – car n’oublions pas que l’ancien n’existe pas encore à cette époque-là. Seulement ils n’ont pas un sou. Madame de Soubise, en femme intelligente, entame ainsi une liaison avec le roi Louis XIV. Et Saint-Simon de dire : « Madame de Soubise portait certains soirs une parure d’émeraudes qui indiquait au Roi que son mari n’était pas là » et d’ajouter : « Grâce à l’intelligence du mari, et au savoir-faire de sa femme, les charges, les pensions, les bénéfices et les chapeaux, tout plut sur la maison ». On considère que la liaison s’est arrêtée à peu près quand l’immeuble a été fini d’être payé (rires)… Voilà ce qu’il faudrait que je raconte dans L’Histoire sans Secret !

A propos d’anecdotes historiques, quelle est votre anecdote préférée chez Maxim’s ?

Ah… c’est vrai qu’il y en a beaucoup ! Peut-être l’histoire des banquettes.

Dans la grande salle, il y avait des banquettes en cuir, qui sont restées de 1898 quand on a fait le décor, à 1959. Elles avaient alors soixante ans – aussi disons qu’elles étaient extrêmement authentiques et qu’il était grand temps de les changer (rires). De ce fait, les ouvriers arrivent pour les remplacer, ne songeant à rien. Sauf qu’à chaque fois qu’ils tirent une banquette d’un mur, ils entendent tinter par terre ce qui jusqu’alors était resté coincé entre le dossier et l’assise des banquettes : les louis d’or, les bagues, les diamants, les bracelets… Des trésors qui tombaient des poches des élégantes, mais qu’elles ne se donnaient jamais la peine de ramasser puisqu’elles savaient très bien que le lendemain elles en auraient deux fois plus (rires) !

Alors que trouvera-t-on dans 20 ans quand on déplacera les nôtres ? Des cartes bleues usagées, ce sera beaucoup moins drôle (rires) !

Quelle serait votre définition du luxe ?

A titre personnel, je dirais que le luxe est l’ensemble des choses qui me mettent au comble du bonheur…

Maintenant, une définition plus générale serait difficile à exprimer. Car le luxe n’est pas une accumulation de choses coûteuses, mais certainement le fait d’avoir la possibilité d’accéder à l’exceptionnel et l’extraordinaire. Il peut s’agir de temps, de choses plus matérielles, de tant de choses…

Alors pour vous, quel serait le plus grand luxe ?

Partir, sans me préoccuper d’où je vais, au volant de ma Rolls-Royce.

Vos projets pour l’avenir ?

J’en déborde !

Deux livres sur le feu chez un éditeur dont j’attends la réponse. Ecrire une nouvelle pièce de théâtre pour quelqu’un d’autre. Dans un an et demi faire un nouveau seul-en-scène. Mon exposition sur Sarah Bernhardt dans 7 villes du Japon en 2018-2019 – et me rendre au Japon me remplit de bonheur parce que je n’y suis jamais allé et je pense que ce sera une expérience merveilleuse. Voilà mes quelques petits projets pour les 2 ans à venir…

Avez-vous une devise ?

Ma devise préférée : « La modestie est une qualité si extraordinaire, qu’avec elle il faut être extrêmement généreux et la laisser entièrement aux autres… » (rires).

De qui est-ce ?

C’est de moi, bien sûr ! Ce n’est même pas de Sacha Guitry (rires).

Pierre-André, merci beaucoup pour cet entretien !

Je suis ravi. Merci beaucoup.

Si vous voulez en savoir plus, ArtLuxury vous propose des visites uniques de l’Opéra Garnier et de l’Hôtel de la Païva animées par ce raconteur d’exception.

Le Bac Sucré

Le Bac Sucré

21/06/2017

LE BAC SUCRE 

A propos de l’événement :

Le Bac Sucré est un festival gastronomique organisé par la mairie du 7e arrondissement, dans le quartier de la rue du Bac. Créée par Florence Mazo Koenig, dans le cadre de Rossini’s Girl, sa société de communication parisienne, cette initiative rassemble tous les commerces de bouches du quartier, et plus particulièrement les chocolatiers et pâtissiers, en plein cœur de Paris. Cet événement a pour vocation d’encourager le commerce local et de promouvoir le savoir-faire des créateurs et artisans de la rue du Bac. Avec le concours d’une vingtaine de commerçants partenaires et à la lumière du succès des éditions précédentes, le Bac Sucré s’est imposé comme un événement incontournable de la vie parisienne. A cette occasion, les chefs cuisiniers, les pâtissiers et les chocolatiers présentent leurs délicieuses créations au public, en adéquation avec le thème annuel. Pour cette 3e édition, le poivre était à l’honneur, à la fois en cuisine et en pâtisserie, et ce fut donc un honneur d’inviter Olivier Roellinger, spécialiste mondial des épices, à tenir une conférence dans les salons de la mairie, intitulée « le poivre et le sucré, paradoxe ou sublimation ? ».

 

Vernissage Bac Sucré

 

Poivre et sel :

Parmi tous ces vendeurs de sucreries, certains vendeurs iconiques du quartier présentaient des créations salées. Par exemple, M. Roger Yvon, dont la réputation n’est plus à faire, proposait un canard rôti au poivre vert dans sa Boucherie de Varenne. Ce boucher, qui depuis plus de trente ans, sert tous les présidents et premiers ministres, a créé une terrine de canard au poivre vert.

Une autre célébrité du quartier, la fromagerie de Mme Barthélémy, était également partenaire de l’événement, et offrait une dégustation de son fromage de chèvre frais fermier, saupoudré du mélange poivré de M. Roellinger « poivre de la Luna ». Comme l’a rappelé madame Barthélémy, bien que le poivre soit compliqué à marier avec le fromage, celui-ci, à la fois doux et relevé, sublime le raffinement de son fromage de chèvre frais.

 

Fromagerie Barthélémy

 

Des pâtisseries sublimées

Au cœur du festival, les pâtisseries étaient mises en avant pendant cette semaine sucrée. Le thème épicé de cette année constituait un réel défi pour ces artisans, puisque le poivre n’est pas un ingrédient commun en pâtisserie. Du cheesecake mangue-passion de la maison Dalloyau aux mini tartes tatins proposées par Angelina, les pâtissiers ont présenté des créations très variées.

Autre illustration de l’esprit unique de cette belle initiative, une vraie émulation et un réel travail d’équipe ont animé les participants : ainsi, nouveau partenaire de cette édition, la célèbre boutique Laura Todd Cookies nous a invité à déguster son muffin bananes-chocolat avec une pointe de poivre, dans le magasin BCBG Max Azria. De la même manière, le showroom La Cornue, un autre partenaire de l’événement, était la vitrine des gâteaux de Monsieur Conticini, avec un cake citron-vanille et un chou à crème tout chocolat. L’association Miele et Dalloyau donnait également un aperçu de cet esprit de collaboration en proposant un cours de pâtisserie au Miele Experience Center rue du Bac. Au cours de cette expérience unique, les participants ont reçu un cours particulier assuré par Yann Brys, Meilleur Ouvrier de France pâtisserie, chef exécutif de la maison Dalloyau. Ils ont pu réaliser une tarte aux fruits rouges, noix de coco et poivre de Timut, un dessert très frais et parfait pour les températures estivales.

 

Gâteau Bac Sucré

Source: Bac Sucré

Des chocolats poivrés :

Artisans majeurs en pâtisserie, les chocolatiers étaient également présents à cette nouvelle édition du Bac Sucré. Déjà partenaire depuis 2 ans, la chocolaterie Jacques Genin, était à nouveau mobilisée, attirant de nombreux habitants du quartier et touristes curieux. Chaque jour, la boutique organisait des ateliers de pâtisserie avec au programme, la fabrication de guimauves, de mendiants, et de tartes sucrées. Lors de l’atelier du vendredi, le chef pâtissier a présenté une recette inédite dans laquelle du poivre de Sichuan vert avait été infusé dans la ganache au chocolat. Cette tarte au chocolat aux notes épicées était l’oeuvre signature de la boutique à l’image du thème poivré. Le chef a ajouté au cours de cet atelier, que « le poivre vient apporter de la fraicheur et de la complexité à cette tarte au chocolat ».

Hugo & Victor, une autre chocolaterie, utilise également le poivre dans ses créations, notamment dans son gâteau « le Hugo Chocolat ». Dans cette boutique, ils organisaient un jeu de dégustation à l’aveugle de différents produits de la chocolaterie. A l’issue de celui-ci, les participants pouvaient alors gouter ce fameux gâteau au chocolat aux notes épicées.

A travers ces deux expériences, les visiteurs ont pu découvrir les secrets de la fabrication du chocolat et goûter de nouvelles saveurs, comme celle associant le poivre et le chocolat.

 

Tartes au chocolat J. Genin

 

Le poivre et le sucré, certainement pas un paradoxe :

Cette semaine sucrée s’est achevée par la table ronde autour du poivre organisée par la mairie, avec comme invités d’honneur Olivier Roellinger et tous les artisans ayant présenté leurs créations.

M. Roellinger a introduit sa conférence en évoquant l’histoire et la genèse de la « reine des épices ». En effet, ce n’est qu’à la fin du XVe siècle, après de nombreuses expéditions infructueuses que Vasco de Gama découvre enfin cette célèbre épice : « le piper negrum ». Après moult recherches et découvertes, il s’avère qu’il existe un grand nombre de variétés de poivre. Selon lui, « le poivre est à la cuisine ce que le Soleil est au cosmos », soulignant par cette métaphore l’importance du poivre dans notre cuisine depuis des siècles et ses propriétés pour sublimer les plats.

 

Table ronde Roellinger

 

Ainsi, en pâtisserie, le gras et le sucre sont souvent perçus comme des « saveurs réconfortantes ». Et de fait, le poivre est utilisé pour briser cette perception et exalter les saveurs.

M. Roellinger a par ailleurs insisté sur le fait que le poivre doit donner du relief aux autres ingrédients et surtout pas son propre goût à la pâtisserie. Le poivre doit avoir des notes qui se rapprochent des goûts utilisés (par exemple des touches citronnées).

La maison Fauchon a été la première à proposer des créations associant le sucré et le poivre, dès le début des années 2000. Depuis, dans les chocolateries, le poivre est souvent utilisé pour équilibrer les saveurs du cacao et pour sublimer les créations des chocolatiers.

Pendant cette table ronde, pour illustrer la pertinence du poivre dans des créations sucrées, l’audience a pu déguster des chocolats dont la ganache avait été infusée au poivre. Conquis par cette dégustation, le public a donc compris cette évidence que le poivre n’est pas seulement réservé à la cuisine, mais aussi à la pâtisserie. Pour conclure, M. Roellinger s’est adressé à l’audience : « Soyez curieux et audacieux, et surtout n’hésitez pas à utiliser des épices en pâtisserie !».

Vous souhaitez en savoir plus sur les partenaires du Bac Sucré ? Laissez vous guider par un expert et découvrez le Bon Marché et la Grande Epicerie à travers une visite unique.

ArtLuxury Experience : membre fondateur du Comité Malmaison !

ArtLuxury Experience : membre fondateur du Comité Malmaison !

19/06/2017

ArtLuxury Experience : membre fondateur du Comité Malmaison !

 

ArtLuxury Experience a le plaisir et l’honneur de vous annoncer la création du Comité Malmaison. Avec ses partenaires L’Art et la manière à la française, La Traction Parisienne et Yves de Bohan, ArtLuxury Experience a fondé cette année le Comité Malmaison afin de promouvoir l’Art de vivre à la française tant reconnu dans le monde entier…

De très beaux projets sont à venir !

Plaquette LinkedIn Malmaison

Festival « 7ème art dans le 7ème » : le Chili à l’honneur

Festival « 7ème art dans le 7ème » : le Chili à l’honneur

13/06/2017

Festival « 7ème art dans le 7ème » : le Chili à l’honneur

 

Du 6 au 10 juin 2017 s’est déroulé dans le 7ème arrondissement de Paris la 16ème édition du festival du 7ème art. Cette année, le Chili était à l’honneur.

Le cinéma chilien

Le cinéma chilien est l’un des plus reconnus au monde. Avec des réalisateurs talentueux comme Alejandro Jodorowsky et Pablo Larrain, les films chiliens étonnent par leur inventivité et leur esthétisme. Durant le festival, les spectateurs ont eu la chance de découvrir des films aux genres et aux sujets variés.

Par exemple, la soirée d’ouverture du festival était l’occasion pour le public d’assister à la projection du Neruda de Pablo Larrain, un biopic retraçant avec style la vie du célèbre poète Pablo Neruda. Et parmi les autres films projetés au cours de ce festival, on pouvait retrouver le documentaire Jodorowsky’s Dune de Frank Pavich, le biopic Violeta d’Andres Wood sur la chanteuse Violeta Parra, et la comédie culte Le grand blond avec une chaussure noire d’Yves Robert.

A la fin de chaque projection, les spectateurs pouvaient assister à des débats avec les membres de l’équipe du film.

Des lieux de projection exclusifs

Le festival est une formidable occasion de pénétrer dans des lieux emblématiques du 7ème arrondissement de Paris. De l’Ecole Militaire aux locaux de Sciences Po Paris en passant par les jardins de la Mairie, les projections ont toutes eu lieu dans des endroits exclusifs et hors-du-commun.

ArtLuxury Experience se réjouit d’être située au coeur de ce quartier au potentiel culturel considérable, entre le Musée Rodin et la Tour Eiffel.

Festival cinéma

Hôtel de la Païva :  un endroit unique au coeur des Champs-Elysées

Hôtel de la Païva : un endroit unique au coeur des Champs-Elysées

08/06/2017

Hôtel particulier de la Païva :
Un endroit unique au coeur des Champs-Elysées

 

L’hôtel particulier de la Païva est un endroit magique au coeur de Paris. Située sur la célèbre avenue des Champs-Elysées, cette demeure somptueuse fût construite au XIXème siècle par l’illustre courtisane Blanche de la Païva. L’hôtel abrite aujourd’hui le « Travellers », l’un des clubs les plus prisés de la capitale. Partenaire privilégié du Travellers, ArtLuxury a visité pour vous ce lieu hors-du-commun.

Hotel de la Paiva

D’abord, un peu d’Histoire…

Esther Lachman naît à Moscou dans une famille modeste. A l’âge de dix-huit ans, elle entreprend un périple à travers l’Europe et arrive à Paris. Elle y devient l’une des courtisanes les plus célèbres et des plus fortunées d’Europe. Ambitieuse, elle épouse un marquis portugais dont elle prendra le nom et le titre pour devenir la Marquise de la Païva. Elle charme ensuite le comte Guido Henckel von Donnersmarck qui financera la construction de son célèbre hotel particulier sur les Champs-Elysées, symbole de sa revanche sur la vie. L’architecte Pierre Manguin en réalise les plans et les plus grands artistes de l’époque en assurent la décoration fastueuse.

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Un joyau d’architecture

L’hôtel de la Païva est un chef-d’oeuvre emblématique de l’architecture et des arts décoratifs du Second Empire. La marquise de la Païva, amatrice d’art et d’exubérance, avait à coeur d’en faire un véritable joyau. Parmi les pièces les plus connues de cet hôtel, on retrouve son imposant escalier en onyx jaune. La salle de bain mauresque, avec sa superbe baignoire, constitue également l’une des pièces phare de cette magnifique demeure.

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Découvrez ce lieu unique et confidentiel…

ArtLuxury Experience a organisé la semaine dernière la visite de ce lieu d’exception pour un groupe d’une centaine d’Américaines de la School of Womanly Arts de New York. Conquises par la personnalité et l’histoire fascinante de la Marquise, elles furent ravies de découvrir son oeuvre à travers le récit de nos deux guides exceptionnels et passionnés.

ArtLuxury Experience, partenaire du Travellers, sera heureuse d’organiser pour vous aussi bien une visite exceptionnelle que la privatisation du lieu pour tout évènement d’ordre professionnel ou privé. Si vous voulez vous aussi saisir cette chance unique de découvrir cet hôtel d’exception, n’hésitez pas à nous contacter !

Fêtes Galantes de Versailles

Fêtes Galantes de Versailles

02/06/2017

Fêtes Galantes de Versailles :

Soyez un invité à la cour du Roi de France le temps d’une soirée

 

Avez-vous déjà rêvé d’être invité le temps d’une soirée à la Cour du Roi de France ? Lundi 29 mai, le Château de Versailles a exaucé ce vœu. Au cours des Fêtes Galantes, l’atmosphère fastueuse et magique des soirées versaillaises a été recréée pour le plus grand plaisir des invités présents.

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Un évènement historique

Les Fêtes Galantes faisaient cette année écho à la venue du Tsar Pierre le Grand à Versailles il y a 3 siècles – et objet d’une exposition au Grand Trianon. Grand amateur d’art et de jardins, le monarque russe était aussi un fervent admirateur de la culture française.  Sa visite en 1717 permit de marquer le début d’une grande amitié entre la France et la Russie, basée sur l’art, l’échange culturel et un même goût pour l’excellence.

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Les fastes de l’époque

Au cours de cette superbe soirée, tout a été mis en œuvre pour reproduire avec précision l’atmosphère de l’époque. Tous les invités étaient priés de revêtir leurs plus beaux costumes pour l’occasion. Se sont ainsi succédées les perruques et les chapeaux les plus travaillés, les plumes les plus colorées et les robes les plus magnifiquement brodées dans la cour du château.

Un buffet était par ailleurs dressé offrant aux visiteurs des amuse-bouches des plus délicats : des canapés raffinés aux macarons Ladurée, en passant par toute une série de petits entremets. Tout comme les mets proposés, le champagne et les vins furent grandement appréciés.

Par ailleurs, les invités pouvaient prendre part à de nombreuses activités organisées au château. Ils pouvaient par exemple s’initier au billard français ou aux dames, assister à des concerts et des cours de danse ou encore se faire lire les lignes de la main. Mais ils avaient surtout l’opportunité unique de visiter des parties du château peu souvent ouvertes aux touristes. Tous les éléments étaient donc réunis pour faire de cette soirée un haut-lieu d’excellence et de divertissement.

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Le bouquet final

La soirée s’est terminée en beauté par un grand bal dans la superbe Galerie des glaces du château. A l’issue de ce bal, les invités ont pu profiter depuis la galerie du feu d’artifice tiré dans les jardins. Et à minuit sonnant, tout le monde a doucement quitté le château, des étoiles plein les yeux…

ArtLuxury Experience fût très heureuse de s’assurer du parfait déroulé de cette soirée magique pour quelques 40 Américains, du choix de leur costume à leur transport jusqu’au château, sans oublier leur accompagnement tout au long de la soirée.

En couple ou en groupe, nous saurons nous occuper de tous les détails pour vous rendre la fête inoubliable… Alors si vous rêvez vous aussi d’être un hôte privilégié de cet évènement hors-du-commun, contactez-nous pour l’édition 2018 !

Exposition Olga Picasso :  plongez dans l’intimité de Pablo Picasso

Exposition Olga Picasso : plongez dans l’intimité de Pablo Picasso

12/05/2017

Exposition « Olga Picasso » : plongez dans l’intimité de Pablo Picasso

 

Du 21 mars au 3 septembre 2017, le Musée Picasso – Paris permet, avec l’exposition « Olga Picasso », une véritable plongée dans l’intimité du célèbre peintre espagnol. A travers des images d’archive et des dessins de l’artiste, le musée propose de découvrir la première épouse de Picasso qui deviendra l’une de ses principales inspiratrices, la mystérieuse et mélancolique Olga Khokhlova.

 

L’histoire d’une romance

Danseuse dans la troupe des Ballets russes de Serge Diaghilev, Olga rencontre Picasso à Rome au printemps 1917 et ils se marient un an plus tard, avec pour témoins Guillaume Apollinaire, Jean Cocteau et Max Jacob. En 1921, Olga donne à Picasso son premier enfant, Paul. Après 10 ans d’une relation passionnée qui signera le retour de l’artiste à l’art figuratif, Olga et Pablo s’éloignent peu à peu. En effet, le peintre vit alors une nouvelle liaison avec une certaine Marie-Thérèse Walter. Les époux resteront pourtant mariés jusqu’au décès de la danseuse en 1955.

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L’exposition, riche en photos du couple et effets personnels, permet surtout de découvrir des dessins peu connus de l’artiste. Leurs lignes précises et épurées, d’une clarté impressionnante, révèlent l’amour de Picasso pour la très belle Olga. Picasso s’attache à la représenter dans les moindres de ses activités avec une bienveillance touchante. Plus tard, avec la naissance de Paul, la maternité devient l’un des thèmes centraux de l’œuvre du peintre, qui réalisera une série d’œuvres mettant en scène Olga et l’enfant.

Jusqu’à la fin tourmentée de leur relation, Olga sera un sujet récurrent de l’œuvre de Picasso. Douce et songeuse dans les premières productions du peintre, on la retrouvera inquiète et douloureusement triste dans les œuvres plus tardives, images de la fin d’une intense passion.

pablo picasso

 

Un musée merveilleux

L’exposition est aussi l’occasion de découvrir ce fabuleux musée, en plein cœur du quartier du Marais à Paris. L’édifice, l’un des plus fameux hôtels particuliers du Marais, est classé monument historique depuis 1968. L’entrée par la cour intérieure en hémicycle de ce superbe hôtel donne tout de suite le ton à une visite riche et passionnante…

Si vous souhaitez visiter ce haut-lieu de la culture et découvrir l’œuvre intemporelle de Picasso, n’hésitez pas à nous contacter !

Dîner en Blanc, un événement chic et exclusif dans Paris

Dîner en Blanc, un événement chic et exclusif dans Paris

10/06/2016

 Dîner en Blanc

 

La 28e édition du plus so chic & secret pique-nique de France a eu lieu en ce mercredi 8 juin, Place Vendôme, au cœur de Paris ! Seuls les initiés et les personnes invitées personnellement  connaissaient la date et l’heure de ce Dîner en Blanc mais, comme à l’accoutumée personne ne connaissait avant 20h30 l’endroit exceptionnel où il allait se tenir ! C’est ainsi que vers 21h surgissaient Place Vendôme plusieurs milliers de personnes venues s’installer sur la célèbre place des joailliers.

Après les Champs-Elysées, la Concorde, la Pyramide du Louvre et l’an dernier, les jardins du Palais Royal, les organisateurs du Dîner en Blanc à Paris ont enfin choisi, après tant d’années d’attente, de nous convier en cette si magique et célèbre Place Vendôme…

 

White Dinner Diner en Blanc Paris Parisian Art de Vivre French    White Dinner Diner en Blanc Paris Parisian Art de Vivre French

 

Grace à son organisation réputée par son efficacité, ce must des soirées parisiennes a réuni cette année plus de 7 000 participants, où chaque guest doit respecter un dress-code des plus élégants symbolisant la beauté, les valeurs et le bon gout de la haute société française: tous vêtus de blanc et tables dressées avec le plus grand décorum sur ce même thème du blanc !

Est-il besoin de préciser que la participation à cet événement unique est strictement réservée à un happy few ayant reçu son invitation personnelle ?

A l’issue de cette nuit magique et festive, ponctuée par de nombreux concerts et animations, fidèle à la tradition, chacun est reparti peu après minuit emportant jusqu’au moindre déchet afin de laisser le lieu intact, comme si rien ne s’était passé…

Depuis sa création en 1988, notre Diner en Blanc parisien a pris désormais une dimension mondiale ! Le Diner en Blanc International s’est en effet développé dans plus de 50 grandes villes et capitales, sans compter les nombreuses villes postulantes. Toutes sont portées par une équipe d’organisateurs locaux passionnés et amoureux du concept, dans le respect de la philosophie et de la tradition de l’événement !

 

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A propos de la Place Vendome, seriez vous intéressé par une visite personnalisée d’une de ses grandes Maisons de Joaillerie sous les conseils d’un de nos Experts? CONTACTEZ-NOUS

Les impressionnistes en Normandie: l’atelier en plein air

Les impressionnistes en Normandie: l’atelier en plein air

08/06/2016

Le Musée Jacquemart-André, au travers d’un cinquantaine d’œuvres prestigieuses, fait le pari de retracer l’histoire d’un mouvement et d’un temps décisif pour l’histoire de l’art :
l’Impressionnisme

 

L’exposition, Les impressionnistes en Normandie, se trouve au cœur du musée Jacquemart-André… Avant d’entrer dans le monde des impressionnistes, nous vous invitons à découvrir la plus belle collection privée d’œuvres d’art de Paris à côté des Champs-Elysées ! Vous découvrirez de riches décors, dans cet hôtel particulier aux pièces somptueusement décorées ! Parmi eux, vous trouverez des chefs d’œuvres de Uccello, Mantegna, Botticelli, Tiepolo, Van Dyck, Rembrandt, Fragonard et d’autres reparties dans toutes les pièces de cette demeure comme le jardin d’hiver, les appartements privés, le grand salon, la bibliothèque, …

 

Les impressionnistes en Normandie: l’atelier en plein air  Les impressionnistes en Normandie: l’atelier en plein air  Les impressionnistes en Normandie: l’atelier en plein air

 

Cette exposition met à l’honneur la Normandie, car de multiples raisons expliquent que la Normandie est considérée comme le berceau de l’impressionnisme ! La Normandie, à mi-chemin entre Londres et Paris, a été l’atelier en plein air d’un grand nombre de célèbres peintres durant plus d’un siècle, à l’instar de plus grands Maitres Impressionnistes comme Monet, Degas, Renoir, Gauguin, Sisley… qui ont pu ainsi y épanouir pleinement leur art.

C’est donc une invitation à découvrir de somptueuses œuvres d’art, crées par les plus grands artiste-peintres de ce temps, s’appuyant toujours sur la Nature, source d’inspiration la plus riche de l’histoire de l’art : ces peintres ont participé à la création d’une esthétique de la lumière, de la couleur et de la douceur de vivre. Focalisée sur la Nature et les paysages de Normandie, cette exposition évoque tout d’abord le rôle décisif joué par cette région dans l’émergence du mouvement impressionniste, à travers les échanges franco-anglais des peintres.
Passant d’une approche historique à une approche géographique, l’exposition montre à quel point les paysages normands et plus encore
leurs lumières si particulières ont été déterminants dans l’attirance que cette région a générée sur tous les grands noms de l’impressionnisme…

 

Les impressionnistes en Normandie: l’atelier en plein air  Les impressionnistes en Normandie: l’atelier en plein air  Les impressionnistes en Normandie: l’atelier en plein air

 

Vous aurez l’opportunité d’admirer cette exposition exceptionnelle jusqu’au 25 juillet 2016 au Musée Jacquemart-André au cœur de Paris.
A l’issue de votre visite, nous vous recommandons de prolonger et de savourer ce moment unique en vous arrêtant au café Jacquemart-André situé à l’entrée du musée, l’un des plus beaux salons de thé à Paris !

 

 

Musée Jacquemart-André
158 boulevard Haussmann, 75008 Paris

Les impressionnistes en Normandie: l’atelier en plein air

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Paris by ArtLuxury Experience

Paris by ArtLuxury Experience

07/06/2016

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D’hier à aujourd’hui, la vidéo qui nous fait rêver Paris

Nous vous invitons à jetter un œil à cette superbe vidéo mettant en scène Paris des années 1929 à aujourd’hui…

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Enjoy our video!

We invite you to the magic of our Paris

  From Past to Nowadays, Paris by ArtLuxury Experience

« Make Paris yours » – ArtLuxury

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source: Prelinger Archives/ San Fransisco
Tyler Fairbank/ Light owl productions

FASHION FORWARD, Trois siècles de mode

FASHION FORWARD, Trois siècles de mode

01/06/2016

Le Musée des Arts Décoratifs accueille une exposition unique et exclusive :
Fashion Forward, Trois siècles de mode

 

musee des arts decoratifs paris robes haute couture

 

robe fashion forward

 

Paris, capitale de la mode, accueille cette exposition appelée « Fashion Forward, Trois siècles de mode » au Musée des Arts Décoratifs à l’occasion de son trentième anniversaire. C’est l’une des collections les plus riches au monde et nous avons cette chance de découvrir pour la toute première fois une sélection exclusives parmi les 150 000 pièces de la collection de ce musée créé par Pierre Bergé en 1986…

« Fashion Forward, Trois siècles de mode » réunit plus de 300 pièces de mode féminine, masculine et enfantine du XVIIIe siècle à nos jours issus de son fonds, assemblées, regroupées pour dessiner une frise chronologique inédite… Pour ses visiteurs, cette exposition fera découvrir, au cours d’un voyage dans le temps, les instants clés de l’histoire de la mode de 1715 à 2016…

Ainsi, on peut y découvrir des pièces uniques comme : l’habit à la française des rois Louis XV et Louis XVI, la Robe à la française, les costumes de l’empereur Napoléon et de l’impératrice Joséphine, la crinoline issue du Second Empire, ou encore, l’esthétique de l’Art Nouveau des années 1900, des pièces de haute couture et de prêt à porter dévoilées en exclusivité provenant de Maisons emblématiques telles que Christian Dior, Pierre Cardin, Gabrielle Chanel, Yves Saint-Laurent, Pierre Balmain, …

La mode est plus passionnante encore quand elle ne parle pas qu’à elle-même, mais qu’elle dialogue avec les arts de son temps ! A travers tout cela, vous découvrirez aussi l’évolution des techniques, des matériaux et du design, les pièces de collection à travers le contexte humain, artistique et social, quelques histoires des costumes que vous pourrez admirer lors de votre visite ainsi qu’un grand nombre de peintures, tapisseries, …

corset fashion forward

 

Du 7 avril au 14 août 2016, le Musée des Arts Décoratifs vous offre l’exclusivité de découvrir un panorama unique qui embrasse tout de l’histoire de la mode depuis plus de trois siècles !

 

Musée des Arts Décoratifs
107 rue de Rivoli, Paris 75001

musee des arts decoratifs hall

 

 

 

 

Si vous êtes intéressés par un tour privé avec l’un de nos guides
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Palais Galliera, Anatomie d’une collection

Palais Galliera, Anatomie d’une collection

20/05/2016
Le Palais Galliera nous ouvre ses portes afin de nous faire partager quelques-unes des plus belles pièces de sa collection au cours d’une exposition, Anatomie d’une collection. Cette exposition du Musée de la Mode de Paris, où le vêtement se décline et se dévoile sous toutes ses formes, retrace à sa manière l’histoire du vêtement du 18ème siècle à nos jours…

A travers ceux qui l’ont porté, comment et pourquoi, le Palais Galliera nous invite à découvrir le récit d’une histoire avec ce côté iconique à travers tous ces vêtements arborés par des personnalités célèbres ou bien même anonymes. On compte une centaine de pièces, vêtements et accessoires, issus de la richesse du fonds Galliera.

Ainsi, on peut y découvrir des pièces comme le gilet de Napoléon, la robe de l’impératrice Joséphine, le tailleur d’Audrey Hepburn, le corset de Marie-Antoinette, la blouse d’une infirmière de la Première Guerre Mondiale, l’habit d’un Dauphin, la veste d’amazone de Cléo de Mérode, la robe de George Sand, le collet de Sarah Bernhardt, ou encore la robe de la duchesse de Windsor, … c’est une histoire de la mode racontée par ceux qui l’ont écrite, l’écrivent et l’écriront encore !

Anatomie d’une collection est consacrée à une réunion de vêtements où y réside une histoire et même plus que ça, une âme. Quand on regarde chacune des pièces de ce patrimoine, on ne regarde pas seulement le vêtement en lui-même, mais on imagine celui ou celle qui l’a porté et toute l’histoire qu’il y a autour de cette pièce.

Le vêtement se raconte à travers celui qui le porte…

 palais galliera exposition paris anatomie d'une collection

Le Musée de la Mode de la Ville de Paris revisitera donc la mode du 18ème siècle à nos jours jusqu’au 23 octobre 2016.

10 avenue Pierre 1er de Serbie, 75016 Paris 

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palais galliera exposition paris